Discos en español 2011
Antes de terminar este 2011 no podíamos dejar de mencionar algunos discos que en la lengua de Cervantes nos dejaron gratos momentos.
Zoe / Música de fondo: constancia y también necedad ha sido una de las muchas herramientas con las que esta banda mexicana ha formado su carrera, en este álbum traslada al formato acústico gran parte de su repertorio, sobre todo el perteneciente a su ultima etapa, los arreglos, la instrumentación y la interpretación redimensionan la música de la banda.
Kinky / Sueño de la máquina: los regios vuelven con un álbum que presenta a diversos invitados para dar variedad al sello característico de la banda, María la “Mala” Rodríguez y Dante Espineta ponen el toque hip hop al disco.
Triclo Circus Band / EP: una de las bandas a seguir sin lugar a dudas, su ecléctica mezcla los hace una digna revelación.
Fito Páez / Canciones para aliens: el gran maestro argentino en plena forma, las composiciones no le pertenecen pero si los arreglos y la soberbia interpretación, hace suyos tremendos clásicos como: “un beso y una flor” de “Seguridad Social”, “El breve espacio… de Silvio”, “Construcción” de Chico Buarque, “yo no quiero volverme tan loco”, un disco magnifico.
Nacho Vegas / La zona Sucia / Ep como hacer crack: el español sin lugar a dudas confirma su lugar como uno de los mejores compositores de nuestro tiempo.
Austin TV /Caballeros del Albedrío: estos jóvenes mexicanos, sigue en su exploración sonora, siempre por buenos y nuevos caminos obteniendo mejores resultados.
Disco Ruido / Sistema Solar: lo mejor de este disco es que apunta que esta banda puede tener un futuro interesante si siguen evolucionando.
San Pascualito Rey / Valiente: quizá el disco más arriesgado hasta ahora, la banda se sale de su acostumbrado sonido y viran un poco para adquirir otra personalidad. Por esa aventura es valioso.
Lost Acapulco / Los Obligados Racing Team: se extrañaba con ansias un nuevo disco de esta banda, y la espera ha valido mucho la pena, Lost Acapulco no saben fallar.
Torre Blanca / Bella época: una de las revelaciones de los últimos años en la escena nacional.
Sr. Chinarro / Presidente. Otro de los grandes compositores, hasta sus chistes tiene arte, arte en cantidad…
viernes, 30 de diciembre de 2011
Discos 2011
Los mejores discos del 2011... según. parte 2.
En la entrega anterior, de manera indirecta al señalar lo mejor del año “según” algunas publicaciones o medios especializados en el mundo de la música, sugería que esto de las listas de lo mejor de cada año, obedece siempre a valoraciones subjetivas, insisto, como lo hice el año pasado; que (en mi caso) lo califico más como un ejercicio de memoria, porque sin duda la música forma parte de la historia.
Gruff Rhys / Hotel Shampoo: disco en solitario del vocalista de los Super Furry Animals, electro-acústico, guitarra y cajas de ritmos sirven de colchón a la voz del cantante. Su discreción y sencillez lo hacen un buen disco, no es efectista como todos los otros que llenan medios especializados con las listas de lo mejor de este año, jaja, “Sensations In The Dark” de los hight lights del disco.
David Lynch / Crazy Clown Time: un disco que no se digiere a la primera pero que desde la primera nota se sabe que es grandioso, este maestro del cine lo define como blues moderno, abre magnifico con el acompañamiento de Karen O, “Stone’s gone up” es otro gran momento y “Good day today” es perfecta como soundtrack para un año lleno de revueltas sociales, en el video se redondea la idea.
TV On The Radio / Nine Types Of Light: primer disco grabado fuera de New York, quizá el disco mas intimo, personal, la preocupación por lo humano en tiempos donde la tecnología es lo que rige.
My Morning Jacket / Circuital: un disco épico, envolvente, perfecto balance de instrumentos, sin protagonismos, el todo es el que luce, la canción que da título al disco es una gran muestra del poder y elocuencia de la banda.
Lykke Li / Wounded Rhymes: producido por Björn Yttling, Suecia sigue sorprendiéndonos con sus propuestas, melancolía que cobija, la princesa del pop sueco.
The Rapture / In The Grace Of Your Love: la experiencia y el gusto por hacer música se sobrepone a cualquier obstáculo. Tal como la portada de su disco lo indica, The rapture se desliza tranquilamente sobre la cúspide.
Bjork / Biophillia: Bjork, la diva y emblema de Islandia vuelve a sorprender, o quizá sea mejor decir que sigue en su camino meteórico rumbo de la evolución constante. Tecnología, naturaleza y pensamiento conjugados dentro de un solo concepto-disco.
En la entrega anterior, de manera indirecta al señalar lo mejor del año “según” algunas publicaciones o medios especializados en el mundo de la música, sugería que esto de las listas de lo mejor de cada año, obedece siempre a valoraciones subjetivas, insisto, como lo hice el año pasado; que (en mi caso) lo califico más como un ejercicio de memoria, porque sin duda la música forma parte de la historia.
Gruff Rhys / Hotel Shampoo: disco en solitario del vocalista de los Super Furry Animals, electro-acústico, guitarra y cajas de ritmos sirven de colchón a la voz del cantante. Su discreción y sencillez lo hacen un buen disco, no es efectista como todos los otros que llenan medios especializados con las listas de lo mejor de este año, jaja, “Sensations In The Dark” de los hight lights del disco.
David Lynch / Crazy Clown Time: un disco que no se digiere a la primera pero que desde la primera nota se sabe que es grandioso, este maestro del cine lo define como blues moderno, abre magnifico con el acompañamiento de Karen O, “Stone’s gone up” es otro gran momento y “Good day today” es perfecta como soundtrack para un año lleno de revueltas sociales, en el video se redondea la idea.
TV On The Radio / Nine Types Of Light: primer disco grabado fuera de New York, quizá el disco mas intimo, personal, la preocupación por lo humano en tiempos donde la tecnología es lo que rige.
My Morning Jacket / Circuital: un disco épico, envolvente, perfecto balance de instrumentos, sin protagonismos, el todo es el que luce, la canción que da título al disco es una gran muestra del poder y elocuencia de la banda.
Lykke Li / Wounded Rhymes: producido por Björn Yttling, Suecia sigue sorprendiéndonos con sus propuestas, melancolía que cobija, la princesa del pop sueco.
The Rapture / In The Grace Of Your Love: la experiencia y el gusto por hacer música se sobrepone a cualquier obstáculo. Tal como la portada de su disco lo indica, The rapture se desliza tranquilamente sobre la cúspide.
Bjork / Biophillia: Bjork, la diva y emblema de Islandia vuelve a sorprender, o quizá sea mejor decir que sigue en su camino meteórico rumbo de la evolución constante. Tecnología, naturaleza y pensamiento conjugados dentro de un solo concepto-disco.
Discos 2011
Los mejores discos del 2011... según. parte 1
Según la revista Rolling Stone, lo mejor del año fue el disco: “21” de “Adele”, para Stereogum, el primer puesto lo merece la agrupación “Girls” con “Father, Son, Holy Ghost”, y NME, fieles a su nacionalismo coloca a “PJ Harvey” con “Let England Shake”.
En mi conteo personal, lo que mas frecuentemente sonó en mi reproductor musical fue esto:
Bon Iver / Bon iver: su neofolk acido y barroco envuelve a la primera.
Danger Mouse & Daniele Luppi / Rome: Una exitosa colaboración la de estas dos figuras de la música. Recuperan y homenajean a Ennio Morricone a la vez que nos regalan una bella sinfonía citadina, complementado con un toque de realidad virtual en la propuesta de sus videos.
Beirut / The Rip Tide: según Yo, el disco mejor logrado de Beirut, cada arreglo encaja perfecto, la experiencia se hace notar, la instrumentación es sencilla pero efectiva.
Arctic Monkeys / Suck it and See: esta banda en cada disco adquiere una gran madures musicalmente hablando, ejecutan mejor, continúan creativos, hacen rock duro y no pierden la actitud.
SBTRK / SBTRK: Dj ingles, de algún modo apadrinado por Radiohead, una electrónica minimalista y exquisita.
Battles: Glass Drop: un rock metódico, casi matemático, perfecta sincronía con la electrónica, divertido y bailable.
Radiohead / King of the limbs: el álbum mas breve de la banda, resultado: contundencia. La electrónica sigue estando presente, no dejan de sorprender y de ser una banda de rock. Radiohead = genialidad.
Modeselektor / Monkeytown: electrónica de primer calibre. Quizá menos bailable que otros materiales del autor pero bueno de principio a fin.
Pj Harvey / Let England Shake: muchas féminas se hicieron notar con buenas producciones este año, sin embargo con este álbum Pj demostró que les lleva algunos años de experiencia.
Kasabian / Kasabian: a caído Oasis, Kasabian busca el trono y lo llena con meritos propios.
Black Keys / El camino. Guitarra y batería como base de un rock contundente, duro.
Según la revista Rolling Stone, lo mejor del año fue el disco: “21” de “Adele”, para Stereogum, el primer puesto lo merece la agrupación “Girls” con “Father, Son, Holy Ghost”, y NME, fieles a su nacionalismo coloca a “PJ Harvey” con “Let England Shake”.
En mi conteo personal, lo que mas frecuentemente sonó en mi reproductor musical fue esto:
Bon Iver / Bon iver: su neofolk acido y barroco envuelve a la primera.
Danger Mouse & Daniele Luppi / Rome: Una exitosa colaboración la de estas dos figuras de la música. Recuperan y homenajean a Ennio Morricone a la vez que nos regalan una bella sinfonía citadina, complementado con un toque de realidad virtual en la propuesta de sus videos.
Beirut / The Rip Tide: según Yo, el disco mejor logrado de Beirut, cada arreglo encaja perfecto, la experiencia se hace notar, la instrumentación es sencilla pero efectiva.
Arctic Monkeys / Suck it and See: esta banda en cada disco adquiere una gran madures musicalmente hablando, ejecutan mejor, continúan creativos, hacen rock duro y no pierden la actitud.
SBTRK / SBTRK: Dj ingles, de algún modo apadrinado por Radiohead, una electrónica minimalista y exquisita.
Battles: Glass Drop: un rock metódico, casi matemático, perfecta sincronía con la electrónica, divertido y bailable.
Radiohead / King of the limbs: el álbum mas breve de la banda, resultado: contundencia. La electrónica sigue estando presente, no dejan de sorprender y de ser una banda de rock. Radiohead = genialidad.
Modeselektor / Monkeytown: electrónica de primer calibre. Quizá menos bailable que otros materiales del autor pero bueno de principio a fin.
Pj Harvey / Let England Shake: muchas féminas se hicieron notar con buenas producciones este año, sin embargo con este álbum Pj demostró que les lleva algunos años de experiencia.
Kasabian / Kasabian: a caído Oasis, Kasabian busca el trono y lo llena con meritos propios.
Black Keys / El camino. Guitarra y batería como base de un rock contundente, duro.
martes, 6 de diciembre de 2011
martes, 22 de noviembre de 2011
David Lynch “Crazy Clown Time”
David Lynch es un loco, uno de eso locos envidiables porque posee un espíritu singular, que se atreve prácticamente a todo. En este 2011 a sus 65 años de edad se anima a presentar, no digo debutar porque no sabemos aun sí su deseo es continuar una carrera como músico, o sí se trata solo de uno de esos gustos y caprichos de artista.
Lo de capricho lo descarto de inmediato, vendría mejor decir que es en todo caso otra vía para dar salida a la energía y creatividad que posee Lynch. Su mente le ha llevado a crear obras de la talla de “Blue Velvet” (que por cierto según se, saldrá en diciembre en Blue Ray), “El Hombre elefante”, “Crazy At Heart” con la que gano Palma de Oro como mejor película en Cannes, Lost Highway, o "Mulholland Drive", entre otras.
Su nueva creación es un disco de 14 canciones editado bajo el sello Sunday Best Recordings, el álbum tiene por titulo Crazy Clown Time, su textura es áspera, acida, turbulenta, al escucharlo de inmediato me veo envuelto en alguna secuencia contenida entre sus últimos filmes, esos momentos de negro suspenso en Mulholland Drive o Inland Empire.
No se tiene que ser seguidor de Lynch para poder escuchar este disco, se revela y camina por sí solo. El disco abre con el tema “Pinky's Dream”, protagonizado por la voz de Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeah’s. Su voz se desliza a la perfección sobre una batería que marca un pulso constante como latido de corazón, la voz se ve envuelta por atmósferas de guitarra que se sostienen en dialogo con los ritmos del bajo.
Tras el final del track 1 aparece el que es seguramente es el tema de confección más pop y pegadizo, una base electro da rienda suelta a las cavilaciones de Lynch sobre un buen día: “So tired of fire, so tired of smoke Send me an angel, save me, I wanna have a good day today”. Pero para nada se trata de un tema simple, en realidad es todo lo contrario, un juego de imágenes, al hablar de las cosas de las que esta cansado, el cineasta sustituye las palabras por sonidos, dice: “estoy cansado de –sampler de bombas o explosivos- estoy cansado de –sampler de metralletas-.”
En el disco Lynch se hace cargo de la guitarra y de la voz, presentada en cada tema con un procesador para dotarle de otra identidad, los temas son en su mayoría en tiempos lentos, no por ello menos disfrutables, “Stone's Gone Up”, podría ser otro sencillo, lo aseguro.
Blues moderno es lo que compone este disco según palabras del propio David Lynch, sin duda otra lección artística.
Lo de capricho lo descarto de inmediato, vendría mejor decir que es en todo caso otra vía para dar salida a la energía y creatividad que posee Lynch. Su mente le ha llevado a crear obras de la talla de “Blue Velvet” (que por cierto según se, saldrá en diciembre en Blue Ray), “El Hombre elefante”, “Crazy At Heart” con la que gano Palma de Oro como mejor película en Cannes, Lost Highway, o "Mulholland Drive", entre otras.
Su nueva creación es un disco de 14 canciones editado bajo el sello Sunday Best Recordings, el álbum tiene por titulo Crazy Clown Time, su textura es áspera, acida, turbulenta, al escucharlo de inmediato me veo envuelto en alguna secuencia contenida entre sus últimos filmes, esos momentos de negro suspenso en Mulholland Drive o Inland Empire.
No se tiene que ser seguidor de Lynch para poder escuchar este disco, se revela y camina por sí solo. El disco abre con el tema “Pinky's Dream”, protagonizado por la voz de Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeah’s. Su voz se desliza a la perfección sobre una batería que marca un pulso constante como latido de corazón, la voz se ve envuelta por atmósferas de guitarra que se sostienen en dialogo con los ritmos del bajo.
Tras el final del track 1 aparece el que es seguramente es el tema de confección más pop y pegadizo, una base electro da rienda suelta a las cavilaciones de Lynch sobre un buen día: “So tired of fire, so tired of smoke Send me an angel, save me, I wanna have a good day today”. Pero para nada se trata de un tema simple, en realidad es todo lo contrario, un juego de imágenes, al hablar de las cosas de las que esta cansado, el cineasta sustituye las palabras por sonidos, dice: “estoy cansado de –sampler de bombas o explosivos- estoy cansado de –sampler de metralletas-.”
En el disco Lynch se hace cargo de la guitarra y de la voz, presentada en cada tema con un procesador para dotarle de otra identidad, los temas son en su mayoría en tiempos lentos, no por ello menos disfrutables, “Stone's Gone Up”, podría ser otro sencillo, lo aseguro.
Blues moderno es lo que compone este disco según palabras del propio David Lynch, sin duda otra lección artística.
'Achtung baby' a 20 años
20 años han transcurrido ya desde que los irlandeses de U2 lanzaron su álbum “Achtung baby”, disco que los catapulto a las alturas para ser catalogados como una de las bandas mas grandes del mundo, fue grabado en seis meses en los estudio Hansa en Berlín y Windmill Lane en Dublín, convirtiéndose en el séptimo álbum de estudio de la agrupación.
La placa fue producida por los eternos colaboradores de U2: Daniel Lanois y Brian Eno, junto con Steve Lillywhite, teniendo como ingeniero a Flood y en aquel entonces fue encabezado por el sencillo 'The fly'.
Para conmemorar estos 20 años la banda prepara un nuevo ataque, en el que se lanzará una mega (es gigante y contendrá mucha material inédito, además de videos y un documental) edición especial. Al respecto de este aniversario musical, la revista británica Q se ha sumado al festejo y ha lanzado un álbum en el que convoca a varias bandas y solistas para reversionar un tema de aquel disco. Esta nueva version del original de U2 lleva el nombre de: “Ahk-toong Bay-bi_Covered”.
El disco tiene un inicio fenomenal, Nine Inch Nails con ese estilo industrialoso-rockero, nos deleita con “zoo station”. En segundo lugar aparece “Even Better Than the Real Thing” en un remix de Jacques Lu Cont, muy buena remezcla, explotando la sección de la batería, diciéndonos que definitivamente U2 son cuatro y Larry Mullen Jr. Hace muy bien su parte.
Aparecen las baladas y la sección acústica: con solo una guitarra Damien Rice ejecuta “One”, es seguido por la madrina del punk Patti Smith quién se torna hacia el soul y el jazz, acompañada de guitarra y piano para hacer de “Until the End of the World” un tema casi gospel.
Garbage marca su regreso y su buena forma musical con la versión de “Who's Gonna Ride Your Wild Horses”, es un gran gesto que un grande le de una palmadita en el hombro a otro grande, Depeche Mode aparece y hace suya “So Cruel”, buenisima!!.
En el disco también aparecen bandas mas nuevas como The Fray o The Killers, y el álbum cierra de forma acústica con Jack White.
La placa fue producida por los eternos colaboradores de U2: Daniel Lanois y Brian Eno, junto con Steve Lillywhite, teniendo como ingeniero a Flood y en aquel entonces fue encabezado por el sencillo 'The fly'.
Para conmemorar estos 20 años la banda prepara un nuevo ataque, en el que se lanzará una mega (es gigante y contendrá mucha material inédito, además de videos y un documental) edición especial. Al respecto de este aniversario musical, la revista británica Q se ha sumado al festejo y ha lanzado un álbum en el que convoca a varias bandas y solistas para reversionar un tema de aquel disco. Esta nueva version del original de U2 lleva el nombre de: “Ahk-toong Bay-bi_Covered”.
El disco tiene un inicio fenomenal, Nine Inch Nails con ese estilo industrialoso-rockero, nos deleita con “zoo station”. En segundo lugar aparece “Even Better Than the Real Thing” en un remix de Jacques Lu Cont, muy buena remezcla, explotando la sección de la batería, diciéndonos que definitivamente U2 son cuatro y Larry Mullen Jr. Hace muy bien su parte.
Aparecen las baladas y la sección acústica: con solo una guitarra Damien Rice ejecuta “One”, es seguido por la madrina del punk Patti Smith quién se torna hacia el soul y el jazz, acompañada de guitarra y piano para hacer de “Until the End of the World” un tema casi gospel.
Garbage marca su regreso y su buena forma musical con la versión de “Who's Gonna Ride Your Wild Horses”, es un gran gesto que un grande le de una palmadita en el hombro a otro grande, Depeche Mode aparece y hace suya “So Cruel”, buenisima!!.
En el disco también aparecen bandas mas nuevas como The Fray o The Killers, y el álbum cierra de forma acústica con Jack White.
Detrás de St. Vincent
Conocida es la dificultad que en ocasiones supone forjar una carrera cuando se es hijo de una figura notable y reconocida, algo similar enfrentan aquellos músicos o artistas que antes han formado parte de reconocidas bandas o agrupaciones. St. Vincent es uno de estos ejemplos, antes de iniciar su aventura solista fue conocida por colaborar con bandas como The National, Arcade Fire, Midlake, Sufjan Stevens, Andrew Bird, Bon Iver y Grizzly Bear.
Annie Clark, es la mujer cantautora y multiinstrumentista nacida en Dallas en 1982, que se encuentra detrás del seudónimo de St. Vincent, desde 2007 ha la fecha a logrado firmar 3 discos que poco a poco comienzan a ganarle un lugar en ese largo y sinuoso camino de la creación artística.
St. Vincent también demostró su destreza como guitarrista y corista de Polyphonic Spree en el álbum Fragile Army, participó como miembro de la banda de Sufjan Stevens en el tour de Illinois, fue tras esto cuando dio a conocer su primer álbum bajo el nombre de “Marry Me”, en 2007.
Guitarras teclados, percusiones, voces y cuerdas se superponen en un juego de capas dentro del primer álbum de St Vincent. Si bien fue su primer disco logro llamar la atención de publico y critica especializada, demostrando talento e ingenio.
Después de la agradable sorpresa que fue su primer álbum, Annie Clark lanzo su segunda placa en 2009, cobijada ya por el sello 4AD, este segundo álbum lleva por titulo “Actor”, en el, St. Vincent muta de piel en cada tema para encarnar a personajes que canción a canción exponen una colección de tragedias, historias revestidas por la bipolaridad sonora de las melodías.
Después de toda esta experiencia ganada St. Vincent presenta su tercer disco en 2011, el álbum “Strange Mercy”, en este disco Clark mezcla la melancolía de su lírica con temas que intentan ir mas allá de lo hecho en sus anteriores trabajos, acercandose incluso a la pista de baile.
Strange Mercy es producido por John Congleton, con quien ya trabajó en su anterior álbum. St vincent se posiciona cada vez mas con su música y deja claro el talento y la capacidad que posee.
Annie Clark, es la mujer cantautora y multiinstrumentista nacida en Dallas en 1982, que se encuentra detrás del seudónimo de St. Vincent, desde 2007 ha la fecha a logrado firmar 3 discos que poco a poco comienzan a ganarle un lugar en ese largo y sinuoso camino de la creación artística.
St. Vincent también demostró su destreza como guitarrista y corista de Polyphonic Spree en el álbum Fragile Army, participó como miembro de la banda de Sufjan Stevens en el tour de Illinois, fue tras esto cuando dio a conocer su primer álbum bajo el nombre de “Marry Me”, en 2007.
Guitarras teclados, percusiones, voces y cuerdas se superponen en un juego de capas dentro del primer álbum de St Vincent. Si bien fue su primer disco logro llamar la atención de publico y critica especializada, demostrando talento e ingenio.
Después de la agradable sorpresa que fue su primer álbum, Annie Clark lanzo su segunda placa en 2009, cobijada ya por el sello 4AD, este segundo álbum lleva por titulo “Actor”, en el, St. Vincent muta de piel en cada tema para encarnar a personajes que canción a canción exponen una colección de tragedias, historias revestidas por la bipolaridad sonora de las melodías.
Después de toda esta experiencia ganada St. Vincent presenta su tercer disco en 2011, el álbum “Strange Mercy”, en este disco Clark mezcla la melancolía de su lírica con temas que intentan ir mas allá de lo hecho en sus anteriores trabajos, acercandose incluso a la pista de baile.
Strange Mercy es producido por John Congleton, con quien ya trabajó en su anterior álbum. St vincent se posiciona cada vez mas con su música y deja claro el talento y la capacidad que posee.
miércoles, 2 de noviembre de 2011
El 'Aullido' de Ginsberg, convertido en poema visual
Hoy me tope con esta nota en un diario.
El 'Aullido' de Ginsberg, convertido en poema visual
ELMUNDO.es
Actualizado miércoles 02/11/2011 19:08 horas
"Vi las mejores mentes de mi generación /destruidas por la locura/ hambrientas histéricas desnudas, arrastrándose / por las calles de los negros al amanecer /en busca de un colérico pinchazo (...)". Y junto a los versos del emblemático 'Aullido' de Allen Ginsberg, otro poema, pero en clave visual.
Utilizadas en principio para un fragmento de animación dentro del 'biopic' homónimo que protagonizó James Franco, las imágenes de Eric Drooker -artista callejero, pintor y novelista gráfico que conoció al poeta y colaboró con él- se convierten ahora en libro, publicado en España por Sextopiso.
Drooker conoció a Ginsberg en una noche de disturbios en el Lower East Side de Manhattan. "Cuando la policía cargó, blandiendo sus porras, nos perdimos entre la multitud. Cuando me encontré con Allen un año más tarde y se dio cuenta de que yo era el artista que había creado muchos de los carteles del barrio, confesó que había estado despegándolos de los muros y farolas, y recopilándolos en su casa. Sugirió que hiciéramos juntos un cartel. Según pasaba el tiempo, colaboramos en numerosos proyectos, haciendo resaltar sus palabras sobre mis imágenes", recuerda el artista en el libro. Las ilustraciones de Drooker ayudan a imponer una lectura pausada al mítico poema de Ginsberg.
Así ocurre también en este 'Aullido' que ilustra estrofa por estrofa un poema escrito en 1955 y que le costó a la editorial que lo publicó un juicio por "obscenidad". Ginsberg, quien hace meses se convirtió en personaje en de cómic en en 'The beats', se convirtió en voz de una generación con obras como esta, en la que habla también de unos "Estados Unidos que tosen toda la noche y no nos dejan dormir" y que sin tapujos de lenguaje clamaba por aquellos "que se dejaron follar por el culo por santos motociclistas, y gritaban de gozo".
Y SÍ LES LATE EL ROLLO SIGAN POR AQUí
jueves, 6 de octubre de 2011
Björk
Desde que dio visos de tener una nueva obra que presentarnos, Biophilia de Bjork se ha convertido en uno de los discos más esperados del año, más que por tratarse de una figura consagrada, es porque se antoja una nueva aventura musical de altos alcances. Se había anunciado su lanzamiento hacia finales de septiembre, finalmente quedó esta diponible el 1º de octubre de 2011.
Si bien Bjork siempre ha sino innovadora en instrumentaciones y conceptos visuales con volta comenzó también una mayor incursión en el mundo virtual y tecnológico, ya que durante la gira de este disco utilizo el software-instrumento conocido como “Rectable”.
En 2011 Bjork se alista para lanzar su álbum “Biophilia”, un disco en el que cada canción es una galaxia dentro del universo del álbum (revalorando también este termino y concepto), el álbum habla acerca de la conciencia universal para preservar el bienestar del planeta, además el disco será lanzado con aplicaciones especiales para dispositivos móviles, (ya se puede explorar en Itunes), creadas exclusivamente para cada una de las canciones y por sí fuera poco, el primer video del disco esta dirigido de forma magistral por nada menos que Michel Gondry.
En Biophilia, Bjork intenta a través de la tecnología hacer visible lo hasta ahora invisible: la música, representada con diferentes temas de la naturaleza, desde un virus a relámpagos. Las formas cambiarán, las velocidades se acelerarán, siempre al ritmo de la música.
Crystalline su primer sencillo, fue un excelente caramelo para mostrarnos lo que es el álbum en su conjunto, un tema que comienza con encumbrada belleza y sencillez para después sorprender y convertirse en un drum&bass arriesgado y progresivo.
Si bien ya se puede apreciar parte del concepto en videos alojados en youtube, será uno de esos discos que valdrá la pena alojar en la discoteca personal o en el disco duro de una gaveta digital.
Si bien Bjork siempre ha sino innovadora en instrumentaciones y conceptos visuales con volta comenzó también una mayor incursión en el mundo virtual y tecnológico, ya que durante la gira de este disco utilizo el software-instrumento conocido como “Rectable”.
En 2011 Bjork se alista para lanzar su álbum “Biophilia”, un disco en el que cada canción es una galaxia dentro del universo del álbum (revalorando también este termino y concepto), el álbum habla acerca de la conciencia universal para preservar el bienestar del planeta, además el disco será lanzado con aplicaciones especiales para dispositivos móviles, (ya se puede explorar en Itunes), creadas exclusivamente para cada una de las canciones y por sí fuera poco, el primer video del disco esta dirigido de forma magistral por nada menos que Michel Gondry.
En Biophilia, Bjork intenta a través de la tecnología hacer visible lo hasta ahora invisible: la música, representada con diferentes temas de la naturaleza, desde un virus a relámpagos. Las formas cambiarán, las velocidades se acelerarán, siempre al ritmo de la música.
Crystalline su primer sencillo, fue un excelente caramelo para mostrarnos lo que es el álbum en su conjunto, un tema que comienza con encumbrada belleza y sencillez para después sorprender y convertirse en un drum&bass arriesgado y progresivo.
Si bien ya se puede apreciar parte del concepto en videos alojados en youtube, será uno de esos discos que valdrá la pena alojar en la discoteca personal o en el disco duro de una gaveta digital.
Media noche en París… ó Woody conoce a Picasso, Bueñuel y más.
(ya se... Hace rato que salió la película, hace rato que la vi, hace rato que escribí esto, pero no queria dejar de ponerlo por aquí)
Woody Allen esta de regreso o en realidad nunca se fue, puesto que lleva toda una vida haciendo cine, esa experiencia se ha hecho palpable y visible en cada uno de los filmes que a dirigido y (en su mayoría) actuado.
Son varios los factores que distinguen a Woody Allen como realizador: la astucia, la comicidad, la reflexión, la crítica, el don de hacer pensar y reír. Woody sigue conservando una estilo clásico de dirigir, marcado desde películas como Hanna and Her Sister’s, The Sleeper, Manhatan, Anni Hall.
Allen retrata a sus personajes y a sus entornos, explorando siempre nuevas posibilidades, ese estilo clásico se ha visto también enriquecido con su mesura y prudencia, puesto que ha resuelto con sabiduría en que momentos quedarse únicamente detrás de la cámara, lo que también le ha dado grandes resultados en cintas como “Macth Point”, “Scoop”, “Vicky Cristina Barcelona” o “Conocerás al hombre de tus sueños”.
Solo un artista con esta basta experiencia y un largo camino recorrido puede hacer una película como Midnight In Paris, último largometraje del director de perpetua imagen de lentes de pasta y que pareciera tener siempre la misma edad.
Woody sabe perfectamente como tener un elenco balanceado para lograr nivelar la interacción entre protagonistas, en su ultimo filme aparecen Kathy Bates, Adrien Brody, Carla Bruni, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Michael Shee y Owen Wilson. Todos ellos dan vida a una comedia romántica que escapa a todo lugar común y cliché, pues la historia de una pareja que decide pasar unos días en París se convierte solo en mero pretexto y en trama de enganche al espectador, lo que se esconde detrás del velo es hablarnos de la historia de un Paris antiguo y contemporáneo, de un legado común y universal en la figura de varios personajes históricos que irán desfilando ante la cámara.
Es de agradecer que en tiempos de hiperactividad, de inmediatez y de olvido, alguien como Woody se tome el tiempo para retomar y humanizar con acertada verosimilitud, a personajes como Hemingway, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Luis Buñuel, figuras que incluso se van contigo al terminar la función pues se vuelven entrañables y cercanos.
Woody Allen esta de regreso o en realidad nunca se fue, puesto que lleva toda una vida haciendo cine, esa experiencia se ha hecho palpable y visible en cada uno de los filmes que a dirigido y (en su mayoría) actuado.
Son varios los factores que distinguen a Woody Allen como realizador: la astucia, la comicidad, la reflexión, la crítica, el don de hacer pensar y reír. Woody sigue conservando una estilo clásico de dirigir, marcado desde películas como Hanna and Her Sister’s, The Sleeper, Manhatan, Anni Hall.
Allen retrata a sus personajes y a sus entornos, explorando siempre nuevas posibilidades, ese estilo clásico se ha visto también enriquecido con su mesura y prudencia, puesto que ha resuelto con sabiduría en que momentos quedarse únicamente detrás de la cámara, lo que también le ha dado grandes resultados en cintas como “Macth Point”, “Scoop”, “Vicky Cristina Barcelona” o “Conocerás al hombre de tus sueños”.
Solo un artista con esta basta experiencia y un largo camino recorrido puede hacer una película como Midnight In Paris, último largometraje del director de perpetua imagen de lentes de pasta y que pareciera tener siempre la misma edad.
Woody sabe perfectamente como tener un elenco balanceado para lograr nivelar la interacción entre protagonistas, en su ultimo filme aparecen Kathy Bates, Adrien Brody, Carla Bruni, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Michael Shee y Owen Wilson. Todos ellos dan vida a una comedia romántica que escapa a todo lugar común y cliché, pues la historia de una pareja que decide pasar unos días en París se convierte solo en mero pretexto y en trama de enganche al espectador, lo que se esconde detrás del velo es hablarnos de la historia de un Paris antiguo y contemporáneo, de un legado común y universal en la figura de varios personajes históricos que irán desfilando ante la cámara.
Es de agradecer que en tiempos de hiperactividad, de inmediatez y de olvido, alguien como Woody se tome el tiempo para retomar y humanizar con acertada verosimilitud, a personajes como Hemingway, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Luis Buñuel, figuras que incluso se van contigo al terminar la función pues se vuelven entrañables y cercanos.
Beirut.
A propósito de su nuevo disco y su próxima visita a México:
Beirut, además de ser el nombre de la capital de Líbano es un proyecto musical engendrado por Zach Condon, un joven entusiasta de la música que desde la edad de 15 años grababa en su propia alcoba piezas musicales compuestas por múltiples instrumentos, el lugar de residencia de Condon era Albuquerque Nuevo México, sin embargo para componer su música se ha valido de recursos que remiten a sonoridades del medio oriente y Europa.
Zach Condon obtuvo una fuerte influencia de la música gitana y balcánica después de un viaje que realizo a través de Europa antes de cumplir siquiera los 20 años. Desde entonces la sobre instrumentación y la suma de capas se convertiría en la marca registrada de este músico que además posee dotes de multiinstrumentista.
El primer disco de Beirut apareció en 2006 bajo el nombre de “Gulag Orkestar” un torrente musical en el que fluyen ukeleles, trompetas, violines, acordeones, mandolinas y clarinetes. A su primer álbum le siguieron una serie de ep’s entre ellos Lon Gisland, Pompie y Elephant gun.
Pese a ser norteamericano, Beirut llamo de inmediato la atención de forma mundial debido a la ecléctica mezcla de sonidos e instrumentos, su segundo álbum apareció en 2007 bajo el nombre de The Flaying Club Cup.
Zach Condon líder de la banda Beirut es un entusiasta del viaje como método para explorar otras sonoridades y otras músicas, en 2009 llego hasta México, al estado de Oaxaca para ser específicos y de ahí nació la inspiración para realizar el álbum March of the Zapotecs, o la marcha de los zapotecas, en el disco hace patente su atracción por la cultura mexicana.
March of the zapotecs se divide en dos partes, en la primera el músico se hace acompañar por la banda Jiménez originaria de la región de Teotitlán del Valle en Oaxaca, en contraste en la segunda parte que lleva el titulo de “Real Poeple Holland”, echa mano de elementos electrónicos.
A pesar de ser multi instrumentista el joven Zach Condon no se encuentra solo, pues tan magnifica orquestación lo consigue gracias a su banda Zach se encarga de las vocales el ukelele y la guitarra, Perrin Cloutier del acordeón y el piano, Nick Petree de las percusiones, Paul Collins del bajo, Kelly Pratt de la trompeta y Ben Lanz de la tuba y el trombón.
En 2010 al lado del cada vez mas connotado director Vincent Moon, realizaron la proeza de hacer un concierto itinerante, desde azotes y garajes hasta pequeñas cocinas e incluso alrededor de una mesa de billar, el video por supuesto puede ser consultado en youtube
East Harlem fue elegido como primer sencillo de The Rip Tide, título del tercer disco de estudio de la banda y que fue lanzado el 30 de agosto de 2011.
Beirut, además de ser el nombre de la capital de Líbano es un proyecto musical engendrado por Zach Condon, un joven entusiasta de la música que desde la edad de 15 años grababa en su propia alcoba piezas musicales compuestas por múltiples instrumentos, el lugar de residencia de Condon era Albuquerque Nuevo México, sin embargo para componer su música se ha valido de recursos que remiten a sonoridades del medio oriente y Europa.
Zach Condon obtuvo una fuerte influencia de la música gitana y balcánica después de un viaje que realizo a través de Europa antes de cumplir siquiera los 20 años. Desde entonces la sobre instrumentación y la suma de capas se convertiría en la marca registrada de este músico que además posee dotes de multiinstrumentista.
El primer disco de Beirut apareció en 2006 bajo el nombre de “Gulag Orkestar” un torrente musical en el que fluyen ukeleles, trompetas, violines, acordeones, mandolinas y clarinetes. A su primer álbum le siguieron una serie de ep’s entre ellos Lon Gisland, Pompie y Elephant gun.
Pese a ser norteamericano, Beirut llamo de inmediato la atención de forma mundial debido a la ecléctica mezcla de sonidos e instrumentos, su segundo álbum apareció en 2007 bajo el nombre de The Flaying Club Cup.
Zach Condon líder de la banda Beirut es un entusiasta del viaje como método para explorar otras sonoridades y otras músicas, en 2009 llego hasta México, al estado de Oaxaca para ser específicos y de ahí nació la inspiración para realizar el álbum March of the Zapotecs, o la marcha de los zapotecas, en el disco hace patente su atracción por la cultura mexicana.
March of the zapotecs se divide en dos partes, en la primera el músico se hace acompañar por la banda Jiménez originaria de la región de Teotitlán del Valle en Oaxaca, en contraste en la segunda parte que lleva el titulo de “Real Poeple Holland”, echa mano de elementos electrónicos.
A pesar de ser multi instrumentista el joven Zach Condon no se encuentra solo, pues tan magnifica orquestación lo consigue gracias a su banda Zach se encarga de las vocales el ukelele y la guitarra, Perrin Cloutier del acordeón y el piano, Nick Petree de las percusiones, Paul Collins del bajo, Kelly Pratt de la trompeta y Ben Lanz de la tuba y el trombón.
En 2010 al lado del cada vez mas connotado director Vincent Moon, realizaron la proeza de hacer un concierto itinerante, desde azotes y garajes hasta pequeñas cocinas e incluso alrededor de una mesa de billar, el video por supuesto puede ser consultado en youtube
East Harlem fue elegido como primer sencillo de The Rip Tide, título del tercer disco de estudio de la banda y que fue lanzado el 30 de agosto de 2011.
martes, 23 de agosto de 2011
HOWL
En 1956 el norteamericano Allen Gingsberg pública uno de los poemas más emblemáticos de la literatura del siglo XX, se trata de una obra de una belleza inigualable en su tejido estructural y en la orfebrería de sus palabras, es también un manifiesto que habla de horrores, de alucinaciones, de devastación y de guerras, de muerte, hule a sexo y cannabis, es violento y agresivo pero se cimenta en el amor ( según sea vea es la primera o la segunda obra más importante de la llamada literatura beat, pues el otro lugar lo ocuparía el libro On The Road de Jack Kerouack) se trata de: “Howl and other poems - Aullido y otro poemas”.
Vale decir que la literatura beat no fue precisamente un movimiento literario, mas bien se trata de un momento entre los años 50 y 60 en el que coincidieron y se publicaron distintos autores y sus textos. El término devino del argot del jazz y además de aludir al ritmo de la música, también connotaba el golpeteo que había dejado la segunda guerra mundial, aludía al engaño del sueño americano.
El jazz inspiro a jóvenes como Gingsber un fraseo único, una musicalidad llevada al terreno de la literatura que dio grandes frutos como las obras ya citadas, pero el camino no fue nada fácil.
El encargado de difundir gran parte de este tipo de literatura es nada menos que el editor y también poeta Lawrence Ferlinghetti en su editorial City Lights, este personaje fue llevado a un proceso de juicio, en pocas palabras se le acusó de publicar obscenidades. Sin embargo después de un largo proceso se llego a la conclusión de que Howl, no solo no tenía que ver en nada con ninguna obscenidad, sino que además representaba una obra de grandes alcances literarios, a la altura del Quijote o cualquier gran obra clásica – sí a ese grado-.
El poema esta dividido en 4 partes que forman un gran todo. Ha sobrevivido ya más de 50 años en el tiempo y sigue teniendo una presencia y una fuerza incomparable, es el retrato de una generación pero también es una visión universal, futurista,
“¡Moloch cuya mente es pura maquinaria! ¡Moloch cuya sangre es el fluir del dinero! ¡Moloch cuyos dedos son diez ejércitos! ¡Moloch cuyo pecho es una dinamo caníbal! ¡Moloch cuyo oído es una humeante tumba!”
Con Howl, Allen Gingsberg contribuyo nada menos que al naciemeinto de la contracultura y, lo cual me lleva a hablar ahora de algo que sin duda se convertirá con el tiempo en una de esas peliculas de culto.
Durante 2010 ROB EPSTEIN y JEFFREY FRIEDMAN, destacados documentalistas, realizaron con gran acierto la proeza de trasladar y representar en cine dicho poema. La cinta es protagonizada por James Franco, quien es el encargado de encarnar al buen Allen, por supuesto lleva el acorde titulo de HOWL.
La cinta es una joya perfectamente labrada, se divide en cuatro partes y para ello se vale de forma excelente de los recursos del documental y de la ficción.
Mediante esas cuatro partes acudimos a episodios clave en la historia detrás de “Aullido”, por un lado aparece la magnifica recreación de la legendaria e incendiaria lectura que Allen Gingsberg realizó con su poema en una galería de Los Ángeles, momentos que se enlazan a su vez con el juicio al que fue sometido el editor Lawrence Ferlinghetti, en el cual el tema de la importancia Literaria de “Aullido” así como de la literatura toda, gana importancia.
Las otras dos partes están compuestas por segmentos que recrean pasajes de la vida de Allen Gingsberg, lo que por supuesto lleva a hablar de forma concisa y acertada de su relación personal y literaria con los demás integrantes de la llamada “Generación Beat”. La película por supuesto tenía que ser alucinante, excitante, una montaña rusa de emociones que nos lleva através de los pasajes del poema, esta parte de la cinta esta constituida por magnificas animaciones inspiradas por los momentos mas delirantes del poema.
James Franco hace un excelente papel protagónico y es respaldado por el buen desempeño de todo el elenco. Los recursos documentales aportan materiales fotográficos tanto de Gingsberg como de otros poetas de la época. Una magnifica alegoría cinematográfica que vuelve aguijonear la hoguera del Aullido de Gingsberg .
Vale decir que la literatura beat no fue precisamente un movimiento literario, mas bien se trata de un momento entre los años 50 y 60 en el que coincidieron y se publicaron distintos autores y sus textos. El término devino del argot del jazz y además de aludir al ritmo de la música, también connotaba el golpeteo que había dejado la segunda guerra mundial, aludía al engaño del sueño americano.
El jazz inspiro a jóvenes como Gingsber un fraseo único, una musicalidad llevada al terreno de la literatura que dio grandes frutos como las obras ya citadas, pero el camino no fue nada fácil.
El encargado de difundir gran parte de este tipo de literatura es nada menos que el editor y también poeta Lawrence Ferlinghetti en su editorial City Lights, este personaje fue llevado a un proceso de juicio, en pocas palabras se le acusó de publicar obscenidades. Sin embargo después de un largo proceso se llego a la conclusión de que Howl, no solo no tenía que ver en nada con ninguna obscenidad, sino que además representaba una obra de grandes alcances literarios, a la altura del Quijote o cualquier gran obra clásica – sí a ese grado-.
El poema esta dividido en 4 partes que forman un gran todo. Ha sobrevivido ya más de 50 años en el tiempo y sigue teniendo una presencia y una fuerza incomparable, es el retrato de una generación pero también es una visión universal, futurista,
“¡Moloch cuya mente es pura maquinaria! ¡Moloch cuya sangre es el fluir del dinero! ¡Moloch cuyos dedos son diez ejércitos! ¡Moloch cuyo pecho es una dinamo caníbal! ¡Moloch cuyo oído es una humeante tumba!”
Con Howl, Allen Gingsberg contribuyo nada menos que al naciemeinto de la contracultura y, lo cual me lleva a hablar ahora de algo que sin duda se convertirá con el tiempo en una de esas peliculas de culto.
Durante 2010 ROB EPSTEIN y JEFFREY FRIEDMAN, destacados documentalistas, realizaron con gran acierto la proeza de trasladar y representar en cine dicho poema. La cinta es protagonizada por James Franco, quien es el encargado de encarnar al buen Allen, por supuesto lleva el acorde titulo de HOWL.
La cinta es una joya perfectamente labrada, se divide en cuatro partes y para ello se vale de forma excelente de los recursos del documental y de la ficción.
Mediante esas cuatro partes acudimos a episodios clave en la historia detrás de “Aullido”, por un lado aparece la magnifica recreación de la legendaria e incendiaria lectura que Allen Gingsberg realizó con su poema en una galería de Los Ángeles, momentos que se enlazan a su vez con el juicio al que fue sometido el editor Lawrence Ferlinghetti, en el cual el tema de la importancia Literaria de “Aullido” así como de la literatura toda, gana importancia.
Las otras dos partes están compuestas por segmentos que recrean pasajes de la vida de Allen Gingsberg, lo que por supuesto lleva a hablar de forma concisa y acertada de su relación personal y literaria con los demás integrantes de la llamada “Generación Beat”. La película por supuesto tenía que ser alucinante, excitante, una montaña rusa de emociones que nos lleva através de los pasajes del poema, esta parte de la cinta esta constituida por magnificas animaciones inspiradas por los momentos mas delirantes del poema.
James Franco hace un excelente papel protagónico y es respaldado por el buen desempeño de todo el elenco. Los recursos documentales aportan materiales fotográficos tanto de Gingsberg como de otros poetas de la época. Una magnifica alegoría cinematográfica que vuelve aguijonear la hoguera del Aullido de Gingsberg .
Larry Clark
“Algunos han señalado mis trabajos como pornográficos y obscenos, pero yo sólo estoy retratando en cine una realidad que existe, aunque se empeñen en creer que no”.
Estas son algunas de las palabras que Larry Clark, uno de los invitados de lujo durante la mas reciente edición del festival de cine de Guanajuato, ofreció durante una conferencia, frases sin duda reveladoras y que resumen en mucho la magnifica aportación y la arriesgada propuesta cinematográfica de Clark.
Clark comenzó a desempeñarse y fue reconocido primero como fotógrafo, sin embargo en 1995 cambio la de fotos por la de cine y rodó una película que se convertiría al paso del tiempo en un filme de culto, se trata de la cinta Kids, en la que se sumerge en el mundo adolescente y nos relata la vida de cinco jóvenes neoyorquinos, inmersos en el mundo del alcohol, las drogas, la violencia y el sexo.
Si las palabras suenan fuertes imaginen lo que hicieron las imágenes, la película fue censurada, lo que puso de manifiesto que en efecto había millones de padres alrededor del mundo que desconocían quines eran sus hijos en realidad y que no querían verlo. La película rompió con varios cánones, costó 1.5 millones de dólares y obtuvo una taquilla de más de 20 millones en todo el mundo. Los jóvenes que aparecían en pantalla no eran actores (sí algo fastidia a Clark son las películas en donde los adolescentes son interpretados por gente mayor).
Desde entonces una de las constantes en el trabajo del realizador ha sido la exploración de la juventud, rechazando por completo la imagen de director irreverente, señala que lo único que busca en sus cintas es reflejar los diversos ángulos que tiene la naturaleza humana.
Después de realizar Kids, Larry Clark ha filmado cintas como Al final del edén, Bully (el buen Larry ya veía venir aquello del bullying), El regreso a las cavernas, Ken Park y Wassup Rockers.
En Wassup Rockers Clark deja ver su interés por el choque entre la cultura latina y la norteamericana, los hijos de inmigrantes, su adaptación y desarrollo, tema que ocupara según comentó durante su estancia en nuestro país parte de su nueva cinta aun en desarrollo. Mientras esperamos un film inédito de este gran cineasta es buen tiempo de revalorar su trabajo ya realizado, grandes claves aun no leídas del todo se encuentran ahí.
Estas son algunas de las palabras que Larry Clark, uno de los invitados de lujo durante la mas reciente edición del festival de cine de Guanajuato, ofreció durante una conferencia, frases sin duda reveladoras y que resumen en mucho la magnifica aportación y la arriesgada propuesta cinematográfica de Clark.
Clark comenzó a desempeñarse y fue reconocido primero como fotógrafo, sin embargo en 1995 cambio la de fotos por la de cine y rodó una película que se convertiría al paso del tiempo en un filme de culto, se trata de la cinta Kids, en la que se sumerge en el mundo adolescente y nos relata la vida de cinco jóvenes neoyorquinos, inmersos en el mundo del alcohol, las drogas, la violencia y el sexo.
Si las palabras suenan fuertes imaginen lo que hicieron las imágenes, la película fue censurada, lo que puso de manifiesto que en efecto había millones de padres alrededor del mundo que desconocían quines eran sus hijos en realidad y que no querían verlo. La película rompió con varios cánones, costó 1.5 millones de dólares y obtuvo una taquilla de más de 20 millones en todo el mundo. Los jóvenes que aparecían en pantalla no eran actores (sí algo fastidia a Clark son las películas en donde los adolescentes son interpretados por gente mayor).
Desde entonces una de las constantes en el trabajo del realizador ha sido la exploración de la juventud, rechazando por completo la imagen de director irreverente, señala que lo único que busca en sus cintas es reflejar los diversos ángulos que tiene la naturaleza humana.
Después de realizar Kids, Larry Clark ha filmado cintas como Al final del edén, Bully (el buen Larry ya veía venir aquello del bullying), El regreso a las cavernas, Ken Park y Wassup Rockers.
En Wassup Rockers Clark deja ver su interés por el choque entre la cultura latina y la norteamericana, los hijos de inmigrantes, su adaptación y desarrollo, tema que ocupara según comentó durante su estancia en nuestro país parte de su nueva cinta aun en desarrollo. Mientras esperamos un film inédito de este gran cineasta es buen tiempo de revalorar su trabajo ya realizado, grandes claves aun no leídas del todo se encuentran ahí.
RADIHEAD RMX
¿De que modo una banda logra trascenderse a sí misma? ¿cómo es que logra mutar de forma al grado de abarcar corrientes que pacerían ajenas a su génesis y estilo, además como logra influir en ellas y en nuevos artistas ? La respuesta no es sencilla pero podríamos hacer una analogía con la ley de conservación de la energía, ya que la música también se trasforma.
Durante el mes de febrero de 2011 radiohead lanzó su noveno álbum de estudio bajo el nombre de The King Of The Limbs, producción a la que le han seguido una serie de remixes que la agrupación ha presentado en formato digital, sin dejar de lado las cuestiones físicas y clásicas como las ediciones en vinyles de 12 pulgadas. Este hecho vuelve a poner a la agrupación Británica a la vanguardia, y nos sirve como punto de partida para revisar como es que en realidad Radiohead ha convivido e intervenido con la electrónica y viceversa desde tiempo atras.
Con la aparición en 1997 del disco Ok computer, Radiohead marco desde el titulo del álbum su entrada al mundo digital y electrónico, un mundo marcado por Internet como herramienta principal entre los seres humanos. A su ves la música electrónica a generado nuevas lecturas de la obra creada por el conjunto comandado por Thom York.
La presencia de Radiohead en la música electrónica se ha legitimado con piezas trabajadas por artistas como james Lavalle o dj shadow, a su vez Radiohead a respaldado a otros artistas como four tet, Holly fuck, e incluso permite que prácticamente cualquier interesado reinterprete su trabajo, pues con ello la influencia de la banda se expande aun mas.
El ente generado por los remixes del disco the king of the limbs llevara el nombre de Radiohead, TKOL RMX 1234567, un disco doble que planeaba lanzarse durante la segunda quincena de agosto, sin embargo los disturbios de Londres han retraso la salida del disco, sin embargo es inminente que Radiohead vuelve a zimbrar el mundo de la música.
En un momento en el que la música electrónica ha dejado los raves para legitimarse como una de las corrientes principales no es casualidad que una banda como Radiohead lancé un disco doble, el hecho demuestra que la agrupaciónn se mantiene fiel a la filosofía de sus primeros días, en constante transformación y evolución, siempre en búsqueda de nuevos sonidos y presentándonos también la propuesta de otros artistas como Caribou, Jacques Greene, Nathan Fake, Mark Pritchard o Four Tet por mencinar algunos.
En retrospectiva los pasos a seguir por la banda estuvieron marcados no solo por extraño baile que logra Thom York en Lotus Flower, primer sencillo de king of the limbs, sino también por la participación de este en temas Burial y four tet, Mientras que la salida del album de remixes completo es anunciada para el mes de octubre de 2011.
Radiohead se ha convertido en un ente multidimensional que arroja variadas lecturas, sin embargo es importante recalcar que a pesar de la fama de freaks antisociales la banda nunca ha perdido la conexión con su publico ni con las nuevas propuestas o tendencias, ya sea desde su sitio en Internet o presentándose en las calles casi de manera sorpresiva para entregar sus discos y arte de primera mano... la energía y la música continuarán transformándose.
Durante el mes de febrero de 2011 radiohead lanzó su noveno álbum de estudio bajo el nombre de The King Of The Limbs, producción a la que le han seguido una serie de remixes que la agrupación ha presentado en formato digital, sin dejar de lado las cuestiones físicas y clásicas como las ediciones en vinyles de 12 pulgadas. Este hecho vuelve a poner a la agrupación Británica a la vanguardia, y nos sirve como punto de partida para revisar como es que en realidad Radiohead ha convivido e intervenido con la electrónica y viceversa desde tiempo atras.
Con la aparición en 1997 del disco Ok computer, Radiohead marco desde el titulo del álbum su entrada al mundo digital y electrónico, un mundo marcado por Internet como herramienta principal entre los seres humanos. A su ves la música electrónica a generado nuevas lecturas de la obra creada por el conjunto comandado por Thom York.
La presencia de Radiohead en la música electrónica se ha legitimado con piezas trabajadas por artistas como james Lavalle o dj shadow, a su vez Radiohead a respaldado a otros artistas como four tet, Holly fuck, e incluso permite que prácticamente cualquier interesado reinterprete su trabajo, pues con ello la influencia de la banda se expande aun mas.
El ente generado por los remixes del disco the king of the limbs llevara el nombre de Radiohead, TKOL RMX 1234567, un disco doble que planeaba lanzarse durante la segunda quincena de agosto, sin embargo los disturbios de Londres han retraso la salida del disco, sin embargo es inminente que Radiohead vuelve a zimbrar el mundo de la música.
En un momento en el que la música electrónica ha dejado los raves para legitimarse como una de las corrientes principales no es casualidad que una banda como Radiohead lancé un disco doble, el hecho demuestra que la agrupaciónn se mantiene fiel a la filosofía de sus primeros días, en constante transformación y evolución, siempre en búsqueda de nuevos sonidos y presentándonos también la propuesta de otros artistas como Caribou, Jacques Greene, Nathan Fake, Mark Pritchard o Four Tet por mencinar algunos.
En retrospectiva los pasos a seguir por la banda estuvieron marcados no solo por extraño baile que logra Thom York en Lotus Flower, primer sencillo de king of the limbs, sino también por la participación de este en temas Burial y four tet, Mientras que la salida del album de remixes completo es anunciada para el mes de octubre de 2011.
Radiohead se ha convertido en un ente multidimensional que arroja variadas lecturas, sin embargo es importante recalcar que a pesar de la fama de freaks antisociales la banda nunca ha perdido la conexión con su publico ni con las nuevas propuestas o tendencias, ya sea desde su sitio en Internet o presentándose en las calles casi de manera sorpresiva para entregar sus discos y arte de primera mano... la energía y la música continuarán transformándose.
domingo, 14 de agosto de 2011
Radiohead, TKOL RMX 1234567
El próximo 11 de octubre Radiohead lanzará en un cd doble todos los remixes que ha venido mostrando últimamente y que se desprenden de su último The KIng Of The Limbs
viernes, 5 de agosto de 2011
Jessy Bulbo
La buena Jessy Bulbo hace un rato que tiene un excelente disco llamado Telememe y como siempre se porta dadivosa
http://jessybulbo.com
Pearl Jam 20
Los de Pearl Jam están crecidos, 20 años no son para menos, todo apunta que el documental sobre esta banda será una efectiva obra cinematográfica.
domingo, 31 de julio de 2011
Björk - Crystaline
Crystalline de Björk, dirigido por Michel Gondry, colaborador de la cantante desde la realización del video Human Behaviour de 1993 y conocido por la imaginería onírica de la película Eterno resplandor de una mente sin recuerdo.
El piso 27
En la vida y el stablishment (siempre contradictorios), nada mejor para la industria del consumo, para el fanatismo y para aquellos que siempre buscan algún pretexto insano con el cual envestir contra la música, el arte o el pensamiento subversivo, que un ídolo o figura joven que muere de forma inexplicable o trágica.
Por un lado dicha noción ayuda a mantener la idea de juventud –te venderán todo lo posible para que siempre te veas así- y desenfreno –los moralistas dirán no te portes así-, en contraparte en la mayoría de los casos se ha casi satanizado o descalificado a las figuras que después son laureadas.
Amy Winehouse ha muerto y se ha unido al llamado “club de los 27”, al momento en que tecleo esto (en mi maquina clark nova) los tabloides dan cuenta de que el cuerpo de la ahora llamada Reyna del Soul ha sido depositado en el cementerio Edgwarebury de Londres, sus discos se han disparado en cuanto a ventas y casi todo mundo no duda en hacer un elogio, la autopsia no arrojo datos certeros y los estudios toxicológicos complementarios serán conocidos con posterioridad. Todos estos elementos revisten (o así se quiere hacer) con un aura especial el fallecimiento de la cantante, no faltara quizá por ahí el rumor de otra muerte fingida.
Junto a la muerte de una figura joven siempre se desencadenara el pensar: ¿qué habría pasado si siguiera vivo(@)?. Se volverán a aplaudir los que antes denostaban. Lo que Amy Winehouse tenía además de sus fuertes adicciones era una carrera prometedora, solo grabo dos discos: Frank de 2003 y Back to Black de 2006, este ultimo ganador de 5 grammys, en parte gracias a la producción de Mark Ronson.
Especulando quizá lo que mas la abrumaba era el hecho de superarse creativamente a sí misma (también son magnificas las historias de músicos que resurgen de las cenizas), esto hace que ahora ella se enfrente a la difícil prueba del añejo, sí su obra es bastante sólida sobrevivirá al paso del tiempo compartiendo los laureles junto a los demás nombres del piso 27…
Ahí, en el piso 27 se encuentran también otros nombres ilustres del arte. Casualidades, destinos o azares, han reunido a un grupo de artistas que han muerto cuando llegan a tal edad, todos ellos jóvenes con carreras prometedoras y con grandes aportaciones echas en su trayectoria por este mundo, aunado a todo ello sus decesos están revestidos por una estela misteriosa.
El primer antecedente en el casillero 27 esta puesto sobre el fallecimiento del guitarrista de blues Robert Johnson, se convertiría después de su partida en un músico de culto pues solo dejo un par de grabaciones registradas entre 1936 y 37, de él también se dice que después de ser un guitarrista poco avezado, obtuvo una gran técnica de ejecución por un supuesto pacto con el diablo obtenido en un cruce de caminos. Murió en 1938.
La línea de bajo que se esconde como columna vertebral de los primeros discos de los Rolling Stones (under my thumb es un buen ejemplo) se le debe al músico Brian Jones que un 3 de julio de 1969 fue encontrado muerto, flotando en su piscina quedo el hombre, la causa se atribuye al alcohol y alguna droga, sin embargo también existe la noción de que pudo haber sido asesinado por un empleado que se encontraba trabajando en su residencia, sobre Jones y su muerte se realizó la película Stoned de 2005.
Jimmy Hendrix, amo y leyenda indiscutible de la guitarra fue encontrado muerto el 18 de septiembre de 1980 también cuando contaba con 27 años, un coctelito de alcohol y pastillas se estableció como la causa del fallecimiento, sin embargo también cabe la teoría de que sería el manager quien indujo su muerte pues había un jugoso seguro de vida que cobrar. Hendrix estadounidense de origen murió en Londres, los gabachos no le agarraban la onda y busco otras latitudes para mostrar su talento.
Poco tiempo después de la partida de Hendrix el mundo de la música lamentaría el fallecimiento de una de las féminas mas importantes del rock, una extraordinaria voz y un carisma sin igual era el que poseía Janis Joplin(1943-1970). En 1994 Kurt Cobain se uniría a este grupo de jóvenes artistas que partieron en la cúspide de su carrera. Igual de míticas son las historias del vocalista de los Manic Street Preachers que simplemente desapareció de la noche a la mañana, en el mismo piso 27 se encuentran también Jim Morrison magnifico frontman de los Doors y el prodigioso pintor Jan Michel Basquiat. Factor común en todos: no los 27, no la muerte, sí grandes artistas.
Por un lado dicha noción ayuda a mantener la idea de juventud –te venderán todo lo posible para que siempre te veas así- y desenfreno –los moralistas dirán no te portes así-, en contraparte en la mayoría de los casos se ha casi satanizado o descalificado a las figuras que después son laureadas.
Amy Winehouse ha muerto y se ha unido al llamado “club de los 27”, al momento en que tecleo esto (en mi maquina clark nova) los tabloides dan cuenta de que el cuerpo de la ahora llamada Reyna del Soul ha sido depositado en el cementerio Edgwarebury de Londres, sus discos se han disparado en cuanto a ventas y casi todo mundo no duda en hacer un elogio, la autopsia no arrojo datos certeros y los estudios toxicológicos complementarios serán conocidos con posterioridad. Todos estos elementos revisten (o así se quiere hacer) con un aura especial el fallecimiento de la cantante, no faltara quizá por ahí el rumor de otra muerte fingida.
Junto a la muerte de una figura joven siempre se desencadenara el pensar: ¿qué habría pasado si siguiera vivo(@)?. Se volverán a aplaudir los que antes denostaban. Lo que Amy Winehouse tenía además de sus fuertes adicciones era una carrera prometedora, solo grabo dos discos: Frank de 2003 y Back to Black de 2006, este ultimo ganador de 5 grammys, en parte gracias a la producción de Mark Ronson.
Especulando quizá lo que mas la abrumaba era el hecho de superarse creativamente a sí misma (también son magnificas las historias de músicos que resurgen de las cenizas), esto hace que ahora ella se enfrente a la difícil prueba del añejo, sí su obra es bastante sólida sobrevivirá al paso del tiempo compartiendo los laureles junto a los demás nombres del piso 27…
Ahí, en el piso 27 se encuentran también otros nombres ilustres del arte. Casualidades, destinos o azares, han reunido a un grupo de artistas que han muerto cuando llegan a tal edad, todos ellos jóvenes con carreras prometedoras y con grandes aportaciones echas en su trayectoria por este mundo, aunado a todo ello sus decesos están revestidos por una estela misteriosa.
El primer antecedente en el casillero 27 esta puesto sobre el fallecimiento del guitarrista de blues Robert Johnson, se convertiría después de su partida en un músico de culto pues solo dejo un par de grabaciones registradas entre 1936 y 37, de él también se dice que después de ser un guitarrista poco avezado, obtuvo una gran técnica de ejecución por un supuesto pacto con el diablo obtenido en un cruce de caminos. Murió en 1938.
La línea de bajo que se esconde como columna vertebral de los primeros discos de los Rolling Stones (under my thumb es un buen ejemplo) se le debe al músico Brian Jones que un 3 de julio de 1969 fue encontrado muerto, flotando en su piscina quedo el hombre, la causa se atribuye al alcohol y alguna droga, sin embargo también existe la noción de que pudo haber sido asesinado por un empleado que se encontraba trabajando en su residencia, sobre Jones y su muerte se realizó la película Stoned de 2005.
Jimmy Hendrix, amo y leyenda indiscutible de la guitarra fue encontrado muerto el 18 de septiembre de 1980 también cuando contaba con 27 años, un coctelito de alcohol y pastillas se estableció como la causa del fallecimiento, sin embargo también cabe la teoría de que sería el manager quien indujo su muerte pues había un jugoso seguro de vida que cobrar. Hendrix estadounidense de origen murió en Londres, los gabachos no le agarraban la onda y busco otras latitudes para mostrar su talento.
Poco tiempo después de la partida de Hendrix el mundo de la música lamentaría el fallecimiento de una de las féminas mas importantes del rock, una extraordinaria voz y un carisma sin igual era el que poseía Janis Joplin(1943-1970). En 1994 Kurt Cobain se uniría a este grupo de jóvenes artistas que partieron en la cúspide de su carrera. Igual de míticas son las historias del vocalista de los Manic Street Preachers que simplemente desapareció de la noche a la mañana, en el mismo piso 27 se encuentran también Jim Morrison magnifico frontman de los Doors y el prodigioso pintor Jan Michel Basquiat. Factor común en todos: no los 27, no la muerte, sí grandes artistas.
Una Odisea Camaleónica dirigida por Fritz Von Runte
En el mundo de la creación artística existe la construcción y la deconstrucción, bajo la primera línea se supone que lo que se plantea es siempre nuevo, bajo la segunda se trabaja a partir de la reorganización de elementos ya existentes para crear algo también innovador, atractivo y que lleva finalmente a un replanteamiento recreativo, intelectual, propositivo y hasta transgresor.
Bajo estos planteamientos Fritz Von Runte productor, músico y DJ inglés, ha desarrollado ya varios trabajos sorprendentes y que han puesto su nombre en lo mas alto de la electrónica, del mash up y de la creación musical en sí pues con su última creación se logra extender incluso hasta el ámbito cinematográfico.
En el haber de Von Runte se encuentran ya los álbumes Winter Hits, The Lycantropii Collection, The Beatles Hate y The Beatles Hell, Renegade Boys, Lily Allen Remixed, todos ellos excelentes aventuras de remezclas y cuando digo remezclas en realidad se refiere a conjuntar y deconstruir una pieza a partir de otros temas. Además la mayoría de estos álbumes se lanzaron por descarga libre.
La nueva empresa de Fritz Von Runte lo ha llevado a lanzar un disco fenomenal, El titulo es Bowie2001, una pieza dividida en varias partes, por un lado cuenta con un álbum en el que desbarata varios de los grandes temas del Camaleónico Bowie y nos entrega verdaderas obras maestras, estos son mas que remixes, son nuevas reinterpretaciones, nuevas visiones sonoras. Otra parte esta conformada exclusivamente por piezas instrumentales y la última es una reinterpretación o un nuevo corte del gran clásico del director Stanley Kubrick, Odisea del espacio 2001.
La banda sonora de esta cinta en la que Von Runte reordena a su manera las escenas del emblemático filme, esta compuesta lógicamente por la música del Duque Blanco, de ahí el titulo de esta obra que es disco pelicula y remixes, BOWIE2001, atinado, vanguardista, futurista e inspirado en dos artistas imperecederos, claro esta no hay que dejar de aplaudir el tino de Fritz Von Runte para realizar esta obra.
http://www.bowie2001.com/
Salmonalipsis Now and Forever
Sobre los grandes artistas nunca nada será definitivo ni bastaran las revisiones. En este rubro se encuentra el argentino Andrés Calamaro, un músico universal e imperecedero ya, basta con mencionar su inicio con Los Abuelos de la Nada o incluso formando parte de alineaciones con nada menos que su compatriota Charly García, su paseo por la madre patria al lado de Los Rodríguez o su renacimiento en las dos ultimas décadas y hasta su paso por el desenchufado de los tigres del norte.
Su primer álbum como solista se publico en 1984 y desde entonces no ha parado de entregar discos de todo tipo, asomándose al bolero, al tango, al jazz, a la cumbia, incluso al reggae, y desde luego el rock, lo que lo convierte en un ente multifacético y multidimensional. A veces odiado y a veces querido, nunca complaciente y siempre navegando contracorriente, no por nada se ha ganado el sobrenombre del salmón.
Ya se han hecho revisiones a su discografía, obras completas y obras incompletas, discos apuesta y experimento como lo fue ese álbum de 5 discos titulado justamente como ese pez que va corriente arriba. Su gran encumbramiento fue sin lugar a dudas a partir de 2005 cuando hizo ese sensacional álbum en vivo llamado con propiedad “El Regreso”, pues además llevaba un tiempo fuera de los escenarios y combatiendo sus adicciones.
Precisamente encumbrado como lo ha estado desde ese entonces parece el momento oportuno de lanzar una obra como Salmonalipsis Now, una nueva revisión a su discografía que no se puede pasar por alto, puesto que lo mas plausible es que continua congruente a su carrera y ni siquiera es autocomplaciente, fácil habría sido elegir las canciones mas conocidas de su repertorio como “Te quiero igual” ( que además es una gran canción), sin embargo fiel a su costumbre elige el camino contrario. Se trata de un álbum doble donde aparecen parte de los temas mas bizarros del catante, como “mi funeral”, “que ritmo triste”, su version de “no woman no cry”. 54 canciones en dos discos, Calamaro para rato… También el titulo es sugerente pues en resumen se trata de un nuevo vistazo al Salmón.
lunes, 25 de julio de 2011
Panamerika: Tóquele quedito
Desde el norte del país y vía panamerika fm llega un compidado de bandas mexicanas que bien vale la pena escuchar:
descarga y escucha<
Cafe Tacvba - Seguir siendo ilustrado
Con motivo delos 21 años de Cafe Tacvba el conjunto de diseñadores de Xplaye realizaron una serie de ilustraciones que valen mucho la pena. ecehle un ojo
Amy se une al club de los 27
Una muerte siempre es lamentable... sin embargo nada le gusta más a la industria del consumismo que un ídolo joven muerto. LA verdad yo no eran fan de Amy pero sin lugar a dudas paso a la historia de la música al dejar varias canciones como referente mundial.
Esta es la canción que M.I.A le dedica a la cantante fallecida. ¿Oportunismo o tributo?
27 by _M_I_A_
lunes, 4 de julio de 2011
Jim Morrison a 40 años
1- 3 de julio 2011. Se cumplen 40 años del fallecimiento del cantante de The Doors.
2- La inmortalidad sí existe, ahí esta toda la obra que grabo junto a su banda, las películas inspiradas en él y sus compañeros, su poesía.
3 - Revisiones tributos y recuentos a su obra se podrán hacer muchas, lo importante es no olvidar lo que este sensacional frontman representaba. Era la actitud del rock&roll andando, congruente, hedonista, espíritu libre, poeta, auténtico.
[Sus amigos y compañeros Robby y Manzarek visitan su tumba]
2- La inmortalidad sí existe, ahí esta toda la obra que grabo junto a su banda, las películas inspiradas en él y sus compañeros, su poesía.
3 - Revisiones tributos y recuentos a su obra se podrán hacer muchas, lo importante es no olvidar lo que este sensacional frontman representaba. Era la actitud del rock&roll andando, congruente, hedonista, espíritu libre, poeta, auténtico.
[Sus amigos y compañeros Robby y Manzarek visitan su tumba]
Quiero Club minidoc.
Una de las Buenas Bandas Mexicanas comparte su intimidad.
Tomado de MeHAceRuido.
Tomado de MeHAceRuido.
Minidoc Me Hace Ruido /// Quiero Club from mehaceruido on Vimeo.
viernes, 1 de julio de 2011
Radihead Remixes
Readiohead ha anunciado que se lanzarán varios remixes derivados de su ultimo álbum, estarán realizados por diferentes artistas estos son los dos primeros.
miércoles, 29 de junio de 2011
El año que un poeta dejó de escribir.
En un abrir y cerrar de ojos o también comúnmente dicho: “en menos de lo que canta un gallo”, ha transcurrido ya medio año de este 2011. En un ejercicio de memoria me preguntaba algunas de las cosas por las que será recordado este momento de la vida colectiva, entre los referentes que de inmediato me saltaron a la mente se encuentra la declaración de persona no grata para el director Danes Lars Von Trier en el festival de Cannes, varios buenos álbumes que han pasado por mi disco duro (harina de otro recuento), sin lugar a dudas el primero entre todos los eventos será el sangriento saldo de 40 mil muertos (hasta ahora y contando…) producto de la lucha entre el narco y el estado.
Este ultimo hecho ha dejado estragos por todos lados, familias rotas, poblaciones prácticamente abandonadas, incertidumbres y resquemores. Ese México violento, perverso, fuera de control, se salió de los narco-corridos y de las películas de serie b de Mario Almada y Robert Rodríguez para convertirse en una realidad palpable por todos lados, sin embargo sabemos que no nos salvará un Machete o un Ranger y que la sangre se desparrama a diario por la televisión y los diarios.
Varios movimientos sociales han dejado ya sus huellas en nuestro país, el 68, el Halconazo, la Revolución, la Independencia, los terremotos, las marchas y en este momento la entrada de un poeta al castillo de Chapultepec, no para leer o declamar, no para ser reconocido sino para exigir justicia, sí para hacer reconocer por parte de las máximas autoridades y estructuras de poder la existencia de la sociedad civil, la existencia de seres humanos y no de segunda.
Es de reconocer, aplaudir y sobre todo apoyar moralmente el Valor de Javier Sicilia, quién logró exigirle y arrancarle el dialogo al Presidente Calderón, evento efectuado y no televisado a nivel nacional el 23 de junio de 2011, en el que finalmente Calderón no tuvo mas que bajarse de su pedestal y entender que gobierna para todo un país y no para intereses particulares.
Es sabido que no es una tarea fácil la de gobernar y conciliar fuerzas, pero también ha quedado claro que la violencia solo ha generado más violencia, Sicilia por el contrario y aunque por ahora retirado de la poesía, deja en claro que las palabras, que las ideas, pueden llevarnos a otros niveles, es absurdo y retrograda seguir pensando que México es un país tercermundista, pero también lamentable que se le siga tratando como tal.
La sociedad mexicana también puede ser conciliadora.
Este ultimo hecho ha dejado estragos por todos lados, familias rotas, poblaciones prácticamente abandonadas, incertidumbres y resquemores. Ese México violento, perverso, fuera de control, se salió de los narco-corridos y de las películas de serie b de Mario Almada y Robert Rodríguez para convertirse en una realidad palpable por todos lados, sin embargo sabemos que no nos salvará un Machete o un Ranger y que la sangre se desparrama a diario por la televisión y los diarios.
Varios movimientos sociales han dejado ya sus huellas en nuestro país, el 68, el Halconazo, la Revolución, la Independencia, los terremotos, las marchas y en este momento la entrada de un poeta al castillo de Chapultepec, no para leer o declamar, no para ser reconocido sino para exigir justicia, sí para hacer reconocer por parte de las máximas autoridades y estructuras de poder la existencia de la sociedad civil, la existencia de seres humanos y no de segunda.
Es de reconocer, aplaudir y sobre todo apoyar moralmente el Valor de Javier Sicilia, quién logró exigirle y arrancarle el dialogo al Presidente Calderón, evento efectuado y no televisado a nivel nacional el 23 de junio de 2011, en el que finalmente Calderón no tuvo mas que bajarse de su pedestal y entender que gobierna para todo un país y no para intereses particulares.
Es sabido que no es una tarea fácil la de gobernar y conciliar fuerzas, pero también ha quedado claro que la violencia solo ha generado más violencia, Sicilia por el contrario y aunque por ahora retirado de la poesía, deja en claro que las palabras, que las ideas, pueden llevarnos a otros niveles, es absurdo y retrograda seguir pensando que México es un país tercermundista, pero también lamentable que se le siga tratando como tal.
La sociedad mexicana también puede ser conciliadora.
The Raveonettes retrsopectiva
Sí existe un grupo responsable del revival del rock clásico de matices pop y distorsiones envueltas en melodías atractivas y pegajosas, ese grupo se llama The Raveonettes, o dicho de una forma mas cruda visceral y sincera, sí el productor Phil Spector, los Everly Brothers, Buddy Holly, las Ronnettes, los Ramones, The Jesus and the Mary Chain y hasta The Velvet Underground hubieran un engendrado un ente después de una orgia musical, el resultado habría sido el sonido que proyecta The Raveonettes.
El dúo de origen Danés conformado por el guitarrista vocalista Sune Rose Wagner y la sexy vocalista guitarrista Sharing Foo se formo en el hoy lejano 2001, desde un inicio patentaron un sonido de cuyas influencias ya hemos hecho referencia, incluso el nombre de the raveonettes nace de la mezcla del tema Rave on de Buddy Holly y las Ronnettes.
Attack of the ghost riders y Beat City, temas que forman parte de Whip It On, la primera grabación de The Raveonettes, un ep de apenas 21 minutos con 37 segundos publicado en 2002, dan aviso de lo que la banda podía alcanzar, el siguiente paso sería Chain Gang Of Love, álbum lanzado en 2003.
Temas como Lets Rave On pone de manifiesto que en las dos primera grabaciones del dúo lo que predomina es la distorsión, el shoegazing, un ruido melodioso, minimalista y preciosista que no escapa a los sentimientos.
El segundo lp de la banda lleva el nombre de Pretty In Black, desde mi punto de vista la obra cumbre de The Raveonettes pues en ella se mezcla lo acústico y la distorsión de forma perfecta, el sonido del conjunto se convierte en una marca reconocible y a la vez es una homenaje a la primera época y al nacimiento del rock & roll. Recreando incluso el scraht de las primeras grabaciones
En pretty in Black conviven la calma y la fuerza, tiempos lentos y rápidos se muestran en Sleep Walking. El resultado de pretty in Black tambien es producto de los invitados con los que cuenta el disco, pues en el aparecen Ronni Spector y Maureen Tucker, intengrantes de The Ronettes y Velvet Underground respectivamente además de Martín Rave de Suicide.
Pretty In Black sin duda es el álbum que ayudaría a expandir el sonido de la banda, es un parte aguas para la carrera de The Reavonettes.
Lust lust lust, publicado en 2007 dejaba ver un lado mas oscuro, perverso e introvertido en la banda, basta con echar un ojo a algunos de los titulos del disco, Halucinations, Dead Sound, Black Satin, Sad Trasmisión, With My Eyes Close o Best Dies. De este álbum también se pudo escuchar algunas de las reinterpretaciones externas que tiene la agrupación, pues se publico un ep que incluye 3 remixes, entre ellos el realizado por Trentemoller a la canción Lust que da titulo al disco.
Para el año de 2009 The Raveonetres publica el disco In and Out Of Control, un disco mucho mas festivo que el anterior, un álbum de contrastes, ya que mientras las melodías incitan al baile las letras cuentan historias de personajes y almas perdidas en el desenfreno. El primer track era también el primer disparo: Bang. Este álbum estuvo producido por el también danés Thomas Troelson (Junior Senior, Sarah Connor,) fue el quien los desafío a un buscar un sonido mas pop sin perder el sello de la banda, por ejemplo el tema Boys Who Rape Should Be All Be Destroyed esta realizado sobre una base dub mezclada con unos coros a la phill spector.
Raven in the grave quinta producción de larga duración de la banda llego en 2011, es un disco que conserva el sello de la agrupación, melodicamente quiza no diste mucho de otras producciones pero si es el álbum quizá mas intimo de la agrupación, Recharge & Revolt, es el tema que abre el disco y uno de los favoritos de Sharin Foo, tanto de la grabación como en vivo , mientras que summer moon habla de esas relaciones que poco a poco se van deteriorando.
Raven in the grave tambien presenta algunos temas de guitarras rapidas al puro estilo de la banda. -Ignite- The Raveonettes no solo es responsable de sembrar una semilla para el revival del rock clásico de matices pop y distorsiones envueltas en melodías atractivas y pegajosas, a influido al grado de provocar la aparición de bandas como The Drums, Best Coast, Vivian Girls, Dum Dum Girls, The Vaccines o Glasvegas.
El dúo de origen Danés conformado por el guitarrista vocalista Sune Rose Wagner y la sexy vocalista guitarrista Sharing Foo se formo en el hoy lejano 2001, desde un inicio patentaron un sonido de cuyas influencias ya hemos hecho referencia, incluso el nombre de the raveonettes nace de la mezcla del tema Rave on de Buddy Holly y las Ronnettes.
Attack of the ghost riders y Beat City, temas que forman parte de Whip It On, la primera grabación de The Raveonettes, un ep de apenas 21 minutos con 37 segundos publicado en 2002, dan aviso de lo que la banda podía alcanzar, el siguiente paso sería Chain Gang Of Love, álbum lanzado en 2003.
Temas como Lets Rave On pone de manifiesto que en las dos primera grabaciones del dúo lo que predomina es la distorsión, el shoegazing, un ruido melodioso, minimalista y preciosista que no escapa a los sentimientos.
El segundo lp de la banda lleva el nombre de Pretty In Black, desde mi punto de vista la obra cumbre de The Raveonettes pues en ella se mezcla lo acústico y la distorsión de forma perfecta, el sonido del conjunto se convierte en una marca reconocible y a la vez es una homenaje a la primera época y al nacimiento del rock & roll. Recreando incluso el scraht de las primeras grabaciones
En pretty in Black conviven la calma y la fuerza, tiempos lentos y rápidos se muestran en Sleep Walking. El resultado de pretty in Black tambien es producto de los invitados con los que cuenta el disco, pues en el aparecen Ronni Spector y Maureen Tucker, intengrantes de The Ronettes y Velvet Underground respectivamente además de Martín Rave de Suicide.
Pretty In Black sin duda es el álbum que ayudaría a expandir el sonido de la banda, es un parte aguas para la carrera de The Reavonettes.
Lust lust lust, publicado en 2007 dejaba ver un lado mas oscuro, perverso e introvertido en la banda, basta con echar un ojo a algunos de los titulos del disco, Halucinations, Dead Sound, Black Satin, Sad Trasmisión, With My Eyes Close o Best Dies. De este álbum también se pudo escuchar algunas de las reinterpretaciones externas que tiene la agrupación, pues se publico un ep que incluye 3 remixes, entre ellos el realizado por Trentemoller a la canción Lust que da titulo al disco.
Para el año de 2009 The Raveonetres publica el disco In and Out Of Control, un disco mucho mas festivo que el anterior, un álbum de contrastes, ya que mientras las melodías incitan al baile las letras cuentan historias de personajes y almas perdidas en el desenfreno. El primer track era también el primer disparo: Bang. Este álbum estuvo producido por el también danés Thomas Troelson (Junior Senior, Sarah Connor,) fue el quien los desafío a un buscar un sonido mas pop sin perder el sello de la banda, por ejemplo el tema Boys Who Rape Should Be All Be Destroyed esta realizado sobre una base dub mezclada con unos coros a la phill spector.
Raven in the grave quinta producción de larga duración de la banda llego en 2011, es un disco que conserva el sello de la agrupación, melodicamente quiza no diste mucho de otras producciones pero si es el álbum quizá mas intimo de la agrupación, Recharge & Revolt, es el tema que abre el disco y uno de los favoritos de Sharin Foo, tanto de la grabación como en vivo , mientras que summer moon habla de esas relaciones que poco a poco se van deteriorando.
Raven in the grave tambien presenta algunos temas de guitarras rapidas al puro estilo de la banda. -Ignite- The Raveonettes no solo es responsable de sembrar una semilla para el revival del rock clásico de matices pop y distorsiones envueltas en melodías atractivas y pegajosas, a influido al grado de provocar la aparición de bandas como The Drums, Best Coast, Vivian Girls, Dum Dum Girls, The Vaccines o Glasvegas.
lunes, 20 de junio de 2011
La vida en el 2015
Neo Labels ha realizado un breve viaje al futuro llegando hasta el año 2015 y nos cuenta cómo evolucionará el mundo digital durante los siguientes 4 años. ¿Ustedes como lo imaginan?
Red Burning Mustangs
En Hidalgo además de hacer aire también se hace Rock, apartir de ahora estaremos invitando a algunas bandas. Red Burning Mustangs serán los primeros.
martes, 14 de junio de 2011
Los Esquizitos nuevo disco
Los Esquizitos van a estrenar un nuevo disco llamado Tú Quieres Ser Como Yo del cuál ya se había lanzado el sencillo “Aymon Faya”. Ahora se ponen generosos y han hecho disponible el Lado A de este disco para escucharse de forma gratuita. Por lo menos esta parte del disco se escucha increíble, vaya que da gusto ver a esta gran banda regresar
tomado de:
Lifeboxset.com
TÚ QUIERES SER COMO YO - LADO A by losesquizitos
tomado de:
Lifeboxset.com
TÚ QUIERES SER COMO YO - LADO A by losesquizitos
Pretty Lights - "Radiohead Vs. Nirvana Vs. Nine Inch Nails" [Free Download] « Audio « PureGrainAudio.com
A Derek Vincent productor de Colorado, E.E.U.U. que se hace llamar Pretty Lights se le conoce por hacer remezclas de artistas conocidos como Pink Floyd o Kanye West. En esta ocasión ha publicado un mashup en el que combina a Radiohead con Nine Inch Nails y Nirvana. Escúchenlo a continuación.
Pretty Lights - "Radiohead Vs. Nirvana Vs. Nine Inch Nails" [Free Download] « Audio « PureGrainAudio.com
Pretty Lights - "Radiohead Vs. Nirvana Vs. Nine Inch Nails" [Free Download] « Audio « PureGrainAudio.com
lunes, 13 de junio de 2011
Austin TV- Hombre Pánico
Austin ha crecido much y para bien en cada una de sus producciones.
Aquí el video del primer sencillo de su nuevo disco "Caballeros Del Albedrío"
Aquí el video del primer sencillo de su nuevo disco "Caballeros Del Albedrío"
domingo, 12 de junio de 2011
¡¡¡Calaveras y Diablitos…!
No se sí todas eran necesarias pero al final es un buen conjunto de nuevas y variadas interpretaciones de uno de los grupos por los que Latinoamérica comparte su devoción: Los Fabulosos Cadillacs!!!, (¿quién no ha bailado una de los Cadillacs?).
La puerta la abre Catupectu Machu con “Manuel Santillan, El León” una buena y potente interpretación sobre una de las historias de desaparecidos argentinos. Los Tres con su estilo clásico y efectivo se ponen “Saco Azul” y ejecutan un rockabilly vintage psycodelic. Con Estelares la cosa se pone romántica por que traen “El Aguijon”.
Al llegar al track 4 Carlinhos Brown le da una vuelta de 180 grados pues se va “Siguiendo la Luna” en una versión magnífica. Después de Brown Estamos totalmente listos para dejarnos llevar por la cachondez de “Calaveras y Diablitos” con la cumbiambera interpretación que hace Pablo Lazcano & Damas Gratis!! – La vida es para gozarla- (yo a vos no te creó nada)… calaveras y diablitos… que buenos coros…
El fuego lo trae Bomba Estereo, su “Matador” es una magnifica reinterpretación musical y ponen el dedo en la llaga diciendo que la violencia se ha convertido en algo preocupante ya en todo Latinoamérica, “este matador que yo te traigo lo veo en el miedo de la gente y lo veo en los diarios… la gente se muere a manos de mercenarios… pero aquí vamos dando un paso al frente con la música y el arte…”
Emmanuel Horvilleur nos avisa que “Es tan lejos aquí”. (Y luego un acontecimiento que me sorprendió) Aparecen Los Daniels y salen muy bien librados mostrando una faceta que gana en estilo pues e ponen fiesteros y dicen “vamos a bailar toda la noche…hasta que explote”. Revirado nos ofrece un instrumental tangojazzizticoboleresco y más, como una buena “Conversación Nocturna” con Gondwana.
Riddim nos recuerda que somos actores de este gran escenario en:“La Vida”. Mimi Maura nos desgarra sabrosamente el alma con CJ… “saber si hay vida normal…” –mejor ni preguntárselo- pero en la voz de Mimi es magnifica...”no le tengas miedo al abismo”… “morir de amor”. La Marcha de Rolando nos reconforta con su versión de “Carnaval Toda La Vida” -¿por qué será que me gusta la noche?-
Mas adelante reaparece México con Sonidero Nacional y se cargan “El Muerto” “pero antes el barrio no era tan violento”- aseguran. “La Luz Del Ritmo” nos la presenta Ozomatli. Una vez vista la luz punto final.
La puerta la abre Catupectu Machu con “Manuel Santillan, El León” una buena y potente interpretación sobre una de las historias de desaparecidos argentinos. Los Tres con su estilo clásico y efectivo se ponen “Saco Azul” y ejecutan un rockabilly vintage psycodelic. Con Estelares la cosa se pone romántica por que traen “El Aguijon”.
Al llegar al track 4 Carlinhos Brown le da una vuelta de 180 grados pues se va “Siguiendo la Luna” en una versión magnífica. Después de Brown Estamos totalmente listos para dejarnos llevar por la cachondez de “Calaveras y Diablitos” con la cumbiambera interpretación que hace Pablo Lazcano & Damas Gratis!! – La vida es para gozarla- (yo a vos no te creó nada)… calaveras y diablitos… que buenos coros…
El fuego lo trae Bomba Estereo, su “Matador” es una magnifica reinterpretación musical y ponen el dedo en la llaga diciendo que la violencia se ha convertido en algo preocupante ya en todo Latinoamérica, “este matador que yo te traigo lo veo en el miedo de la gente y lo veo en los diarios… la gente se muere a manos de mercenarios… pero aquí vamos dando un paso al frente con la música y el arte…”
Emmanuel Horvilleur nos avisa que “Es tan lejos aquí”. (Y luego un acontecimiento que me sorprendió) Aparecen Los Daniels y salen muy bien librados mostrando una faceta que gana en estilo pues e ponen fiesteros y dicen “vamos a bailar toda la noche…hasta que explote”. Revirado nos ofrece un instrumental tangojazzizticoboleresco y más, como una buena “Conversación Nocturna” con Gondwana.
Riddim nos recuerda que somos actores de este gran escenario en:“La Vida”. Mimi Maura nos desgarra sabrosamente el alma con CJ… “saber si hay vida normal…” –mejor ni preguntárselo- pero en la voz de Mimi es magnifica...”no le tengas miedo al abismo”… “morir de amor”. La Marcha de Rolando nos reconforta con su versión de “Carnaval Toda La Vida” -¿por qué será que me gusta la noche?-
Mas adelante reaparece México con Sonidero Nacional y se cargan “El Muerto” “pero antes el barrio no era tan violento”- aseguran. “La Luz Del Ritmo” nos la presenta Ozomatli. Una vez vista la luz punto final.
miércoles, 8 de junio de 2011
LA vida loca
Hace unos días escribí este texto pensando que estaría pasado de tiempo, que bueno que de inmediato se me despejo la mente, la palabras, las letras, la memoria y el cine (y mucho menos el documental) no tienen tiempo.
¿Cuanto puede costar una película?
Cada año se lanzan tremendas campañas para promocionar la película mas espectacular, la mas cara, la que reúne mas dinero en taquilla y un largo etc, poco se habla de las películas que le cuestan incluso la vida a sus realizadores.
Recientemente le fue entregado el premio Canacine al documental “La Vida Loca”. Un largometraje realizado por el cineasta y fotógrafo franco español Christian Poveda.
Pongámonos en contexto: los premios Canacine son otorgados por la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica y del Videograma, según palabras de su presidente Alejandro Ramirez “se entregan a las películas nacionales y extranjeras bajo dos criterios: por haber sido las más taquilleras del año, y en el caso de los documentales, por que lograron conectar la gente”.
Ojala lo anterior sirviera también para reconsiderar la exhibición y la reflexión sobre este extraordinario documental. Poveda fotógrafo reconocido y de vocación por los temas sociales se instalo desde 1980 en el Salvador, palpando de cerca la problemática y el crecimiento del fenómeno de los “Maras”.
Tras años de trabajo y acercamiento con las pandillas fue en 2009 finalmente cuando Poveda pudo presentar su película “La vida loca” un fuerte y magnifico testimonio realizado desde dentro de la mara 18, rivalizados a muerte con la mara salvatrucha.
En la cinta el realizador logra íntimos retratos de los personajes, su lucha y conflictos por reintegrarse a la sociedad, traza líneas que apuntan que el problema viene desde la desintegración familiar y la escasez de oportunidades para los jóvenes salvadoreños, quienes ante una búsqueda de identidad ingresan en las pandillas. Se trata de una cinta de carácter universal pues hace repasar sobre fortalecer a la juventud en lugar de perseguirla y etiquetarla.
La Vida Loca fue exhibida (con pocas copias y durante poco tiempo) durante 2010 en Francia, España y México, recogió premios en festivales, en El Salvador se mostró en escuelas y sin animo de lucro, fue consigna del director y petición de los mismos maras retratados. La Vida Loca se convirtió en una película muy demandada en el mercado informal. En septiembre de 2009 Christan Poveda fue encontrado asesinado (se piensa que los mismos maras a quien retrato fueron sus victimarios) tenía en puerta un viaje a Francia para promover su documental. Valgan estas palabras para revalorar su obra y la importancia de este cine que cuesta mas de lo que parece.
¿Cuanto puede costar una película?
Cada año se lanzan tremendas campañas para promocionar la película mas espectacular, la mas cara, la que reúne mas dinero en taquilla y un largo etc, poco se habla de las películas que le cuestan incluso la vida a sus realizadores.
Recientemente le fue entregado el premio Canacine al documental “La Vida Loca”. Un largometraje realizado por el cineasta y fotógrafo franco español Christian Poveda.
Pongámonos en contexto: los premios Canacine son otorgados por la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica y del Videograma, según palabras de su presidente Alejandro Ramirez “se entregan a las películas nacionales y extranjeras bajo dos criterios: por haber sido las más taquilleras del año, y en el caso de los documentales, por que lograron conectar la gente”.
Ojala lo anterior sirviera también para reconsiderar la exhibición y la reflexión sobre este extraordinario documental. Poveda fotógrafo reconocido y de vocación por los temas sociales se instalo desde 1980 en el Salvador, palpando de cerca la problemática y el crecimiento del fenómeno de los “Maras”.
Tras años de trabajo y acercamiento con las pandillas fue en 2009 finalmente cuando Poveda pudo presentar su película “La vida loca” un fuerte y magnifico testimonio realizado desde dentro de la mara 18, rivalizados a muerte con la mara salvatrucha.
En la cinta el realizador logra íntimos retratos de los personajes, su lucha y conflictos por reintegrarse a la sociedad, traza líneas que apuntan que el problema viene desde la desintegración familiar y la escasez de oportunidades para los jóvenes salvadoreños, quienes ante una búsqueda de identidad ingresan en las pandillas. Se trata de una cinta de carácter universal pues hace repasar sobre fortalecer a la juventud en lugar de perseguirla y etiquetarla.
La Vida Loca fue exhibida (con pocas copias y durante poco tiempo) durante 2010 en Francia, España y México, recogió premios en festivales, en El Salvador se mostró en escuelas y sin animo de lucro, fue consigna del director y petición de los mismos maras retratados. La Vida Loca se convirtió en una película muy demandada en el mercado informal. En septiembre de 2009 Christan Poveda fue encontrado asesinado (se piensa que los mismos maras a quien retrato fueron sus victimarios) tenía en puerta un viaje a Francia para promover su documental. Valgan estas palabras para revalorar su obra y la importancia de este cine que cuesta mas de lo que parece.
Leonard Cohen, Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011 | euronews, internacionales
El cantautor y poeta canadiense optó también en esta edición al Premio de las Artes por su faceta musical, pero ha sido la poesía la que le ha dado el Príncipe de Asturias. Lo anunciaba e Oviedo, en el norte de España, el presidente del jurado Víctor García de la Concha: “Hemos decidido conceder el Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011 al poeta y escritor canadiense Leonard Cohen”.
Han considerado que “sus poemas y canciones han explorado con profundidad y belleza las grandes cuestiones del ser humano”.
Cohen siempre se ha declarado un gran admirador de Federico García Lorca. En él se inspiró para escribir su primera obra, “Comparemos mitologías” en 1956. Ha publicado 13 libros, uno de ellos “Libro del anhelo”, ha sido el primer libro de poesía número uno en ventas en Canadá. Pero lo que le ha dado la fama ha sido la música, su voz grave y canciones como Suzanne o Hallelujah.
Han considerado que “sus poemas y canciones han explorado con profundidad y belleza las grandes cuestiones del ser humano”.
Cohen siempre se ha declarado un gran admirador de Federico García Lorca. En él se inspiró para escribir su primera obra, “Comparemos mitologías” en 1956. Ha publicado 13 libros, uno de ellos “Libro del anhelo”, ha sido el primer libro de poesía número uno en ventas en Canadá. Pero lo que le ha dado la fama ha sido la música, su voz grave y canciones como Suzanne o Hallelujah.
domingo, 29 de mayo de 2011
El regreso de Pulp
Pulp dio recientemente su primer show desde el 2002 en un lugar llamado Le Bikini en Francia. Aquí una muestra del show.
Haruki Murakami
[Recientemente se conoció la noticia de la publicación en español de 1Q984 la mas reciente novela del escritor japonés, y también se hizo acreedor a un reconocimiento en Cataluña, España.
Norwegian Wood publicada originalmente en 1985 se volvió un hit 20 años después publicada al español como Tokyo blues en 2000 y 2005. Además ya se hizo película]
Sputnik, mi amor.
Lo tenía en mente desde hace un buen tiempo, lo había oído nombrar varias veces, saber que era de Japón impregnaba un mayor interés pues ofrecía una visión distinta de ver y de pensar las cosas. Un día por casualidad me tope con uno de sus libros, estire la mano, leí el titulo de la obra, la portada ofrecía incógnitas más que un atisbo del contenido, todo estaba en silencio, creo que era de noche y al abrirlo encontré este pasmoso principio:
“A los veintidós años, en primavera, Sumiere se enamoro por primera vez. Fue un amor violento como un tornado que barre en línea recta una basta llanura. Un amor que lo derribó todo a su paso, que lo succionó todo en su torbellino, que lo descuartizó todo en un arranque de locura, que lo machacó todo por completo. Y sin que su furia amainara un ápice, barrió el océano, arrasó sin misericordia las ruinas de Angkor Vat, calcinó con su fuego las selvas de la India repletas de manadas de desafortunados tigres y, convertido en tempestad del desierto persa, sepultó alguna exótica ciudad amurallada. Fue un amor glorioso, monumental. La persona de quien Sumiere se enamoró era diecisiete años mayor que ella, estaba casada. Y debo añadir que era una mujer. Aquí empezó todo y aquí acabo(casi) todo.”
Es este el inicio de “Sputnik, mi amor”, novela del escritor Haruki Murakami, uno de los mas renombrados autores Japoneses de la actualidad, su obra mas reconocida es Tokio Blues. Lo que me interesaba era conocer su literatura y no importaba si era su título mas común o no, así que tal modo de iniciar “Sputnik, mi amor” me avasallo de inmediato. Necesitaba ahora llegar hasta el final, no solo por saber que es lo que ocurría con aquel amor violento y desgarrador, sino por que al entrar en la literatura de Murakami uno queda prendado.
La narrativa que nos ofrece este narrador es de gran colorido descriptivo y emotivo. Por principio de cuentas no es de los que dan todo de un solo golpe, mete por completo al lector al ofrecerle datos que serán revelados hasta capítulos posteriores. En el caso especifico de “Sputnik, mi amor”, los personajes son llevados de Tokio hasta una isla griega y las descripciones que nos ofrece del contexto y los paisajes es tan vívida que es como tener ante nosotros una postal o una fotografía construida solo con palabras. En el desarrollo de la novela, Murakami nos ofrece también referencias a otros autores y corrientes literarias. Además su lenguaje es rico por usar expresiones cotidianas, cercanas a cualquier lector y por ende cargadas de una emotividad tremenda.
“Aquella mujer amaba a Sumier. Pero no podía sentir por ella deseo sexual. Sumiere amaba a aquella mujer y, además, la deseaba. Yo amaba a Sumiere y la deseaba. Sumiere me quería pero no me amaba ni me deseaba. Yo podía sentir deseo por otras mujeres sin nombre, pero no las amaba, era todo muy complicado”
Mas que un triangulo amoroso o detrás de ello se revelan personajes complejos que se buscan así mismos. “Ya ves, continuamos viviendo, cada uno a su manera, incluso ahora”… “Podemos alargar la mano e ir tirando del hilo de los días…”
El final es enigmatico e inimaginable. tendrían que leerlo.
Aquí el trailer de la adaptación de su novela mas famosa.
Lonora Carrington
A los 94 años, el miércoles 25 de mayo falleció Leonora Carrington. La última surrealista se dice, el secreto mejor guardado de México según algunos.
"Leonora es una persona extraordinaria y fuera de lo común; desde hace muchos años fuma y fuma tanto que pienso que un día se va a evaporar con el humo del cigarro". Elena Poniatowska.
Merry MacMasters
Periódico La Jornada
Viernes 27 de mayo de 2011
Rebelde y feminista precoz, la pintora, escultora, grabadora, escritora, dramaturga y escenógrafa surrealista Leonora Carrington falleció a los 94 años, el miércoles a las 22:37 horas, a consecuencia de una neumonía por la que fue hospitalizada hace una semana.
Inglesa de nacimiento, pero exiliada en México desde 1942, donde se naturalizó mexicana, doña Leonora fue velada ayer en una funeraria del sur de la ciudad y luego sepultada en el Panteón Británico. En 2005 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes, en el área de Bellas Artes, por lo que tenía derecho a que su féretro se llevase al Palacio de Bellas Artes.
Sin embargo, no fue su deseo recibir un homenaje de cuerpo presente allí, manifestó Martha Patricia Weisz, esposa de Gabriel Weisz, hijo de la artista.
De todos modos, mañana a las 13 horas se rendirá tributo a Carrington con una exhibición de sus esculturas en el máximo recinto cultural del país.
Carrington nació el 6 de abril de 1917 en Clayton Green, Lancashire, Inglaterra, hija de una ama de casa irlandesa y un industrial inglés, ambos profundamente católicos.
En 1920 la familia se trasladó a Crookhey Hall, mansión victoriana cercana a Lancaster, cuya influencia es apreciable en toda la producción artística de Carrington.
Desde pequeña enfrentó la existencia de dos mundos contrastantes y contradictorios. Por un lado, la disciplina autoritaria de una sociedad patriarcal y cruel, llena de reglas y convenciones absurdas y, por el otro, un mundo de libertad e imaginación nutrida por sus propias lecturas y por los cuentos celtas y las historias que contaban su madre, su abuela y su nana también irlandesa.
Buena parte de su obra proviene de esa rebeldía, en ocasiones subversiva, contra la autoridad patriarcal, así como de la fascinación por los parajes míticos y paradisiacos de su infancia, poblados por dioses, hadas, monstruos híbridos y bestias fabulosas.
De niña-musa a mujer-hechicera
Con una vida escolar inestable debido a su naturaleza rebelde e introspectiva, desde muy pequeña dibujaba escenas relacionadas con las historias que inventaba. A los 15 años fue enviada al internado de Miss Penrose en Florencia, Italia, estancia que resultó determinante para su carrera, pues allí entró en contacto por primera vez con artistas que llegarían a tener gran impacto en su pintura.
Tras reafirmar su vocación en el arte, ingresó como alumna en la academia del pintor purista Amédée Ozenfant en 1936, ubicada en Londres. Habría que destacar la impresión que por entonces hizo en Carrington el conocimiento químico que Ozenfant exigía como requisito de la producción artística, y que fue justamente en aquella época cuando la joven comenzó a adquirir libros de alquimia en las librerías de viejo de la capital británica.
En aquel entonces también su madre le regaló El surrealismo, de Herbert Read, libro que contenía intermitentes alusiones a las alquimia en relación con la producción artística en general y específicamente con la de los surrealistas. El libro produjo un fuerte impacto en la joven, ya que en él descubrió sobre todo la obra de Max Ernst, al que pronto conocería y de quien se enamoró. Huyó a París para reunirse con él, pero también para avanzar en el quehacer artístico. En la ciudad luz se convirtió en miembro activo del círculo surrealista de André Breton. Sin embargo, su identificación con los animales alejó a Carrington del reino de la niña-musa y reveló sus poderes de mujer-hechicera, desafiando el papel tradicional de musa prescrito por los surrealistas.
Socia artística de Remedios Varo
La Segunda Guerra Mundial resultó desastrosa para la pareja Carrington-Ernst, pues él fue arrestado en varias ocasiones y la artista acabó en un hospital siquiátrico. En 1941 logró salir de Europa gracias a la ayuda de Renato Leduc, entonces embajador de México en Portugal, con quien se casó para aprovechar su inmunidad diplomática. Primero vivieron en Nueva York y luego en la ciudad de México, donde su matrimonio por conveniencia tocó a su fin y se divorciaron.
Por medio de Benjamín Péret y Remedios Varo conoció al fotógrafo húngaro refugiado Emérico Chiki Weisz, con quien se casó en 1946 y procreó dos hijos: Gabriel (1946) y Pablo (1948). Entre sus amistades europeas en México, una fue fundamental para Carrington: la de la pintora surrealista es-pañola Remedios Varo, su socia artística.
De acuerdo con Susan L. Aberth, autora del libro Leonora Carrington: surrealismo, alquimia y arte, su pintura no comenzó a atraer la atención hasta después de su traslado a México. En enero de 1947 Víctor Serge escribió para el diario londinense Horizon: Su obra presente, que revela claramente la influencia de los primitivos, es, en mi opinión, un ejemplo sorprendente de proyección directa sobre el lienzo de una vida interior intensa, angustiada, y sin embargo, luminosamente adolescente.
Esteban Francés, primer esposo de Remedios Varo, presentó a Carrington coleccionista inglés Edward James, quien a su vez le organizó una exposición individual de 28 obras en la galería Pierre Matisse de Nueva York en 1948. Convertido en uno de los principales patrocinadores y promotores de Carrington, James escribió un ensayo de ocho páginas sobre la artista, y la exposición fue comentada brevemente en Time y Art News. Gracias a la prensa en febrero de 1950 tuvo su primera muestra individual en México, en Clardecor, un salón de exposiciones de diseño de interiores. Enseguida, se interesó en ella Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, donde por muchas décadas proporcionó a la artista exposiciones, patrocinadores y cierto grado de seguridad económica, escribe Aberth. Marcel Jean la incluyó con detenimiento en su Historia de la pintura surrealista (Grove Press, Nueva York, 1959).
El mundo de los mayas
Como muchos artistas mexicanos en los años 50 del siglo pasado, Carrington quiso explorar el diseño escenográfico, por lo que creó los decorados y el vestuario de su obra teatral, Penélope, en 1957. En esa misma época su pintura adquirió una atmósfera teatral.
A principios de los años 60 le fue encargado su primer mural para la sección dedicada a Chiapas del naciente Museo Nacional de Antropología, inaugurado en 1964. Para pintar El mundo mágico de los mayas, un año antes Carrington viajó a Chiapas para estudiar la región y sus pueblos; también estudió el Popol Vuh, el libro sagrado de los antiguos mayas quichés.
Desde 1968 y durante los años 70 de esa centuria, Leonora Carrington pasó bastante tiempo en Estados Unidos, sobre todo en Nueva York y en los suburbios de Chicago. En esos años entró en contacto con el movimiento feminista y en 1972 diseñó un cartel dedicado a la liberación de las mujeres mexicanas, titulado Mujeres conciencia. Ahora existía una activa voz política –siempre evitó el compromiso político directo– para todo aquello que Carrington había expresado filosófica y visualmente. Así pues, su obra atrajo la atención de las feministas, quienes revaluaron su lugar en la historia del arte.
En la década de los 80 sus cuadros adoptaron un tono más brillante, quizá porque comenzó a utilizar acrílicos. También en esos años Carrington empezó a fundir esculturas en bronce. Había experimentado anteriormente con la plata fundida, produciendo la marioneta titulada La vaca, cuyo pecho tiene puertas con bisagras que se abren dejando ver un rostro en lugar del corazón. Sus piezas en bronce empezaron a crecer y la obra Cómo hace el pequeño cocodrilo (1998), que toma su título de un poema de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll, fue agrandada, colocada en la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec y finalmente sobre Paseo de la Reforma.
"Leonora es una persona extraordinaria y fuera de lo común; desde hace muchos años fuma y fuma tanto que pienso que un día se va a evaporar con el humo del cigarro". Elena Poniatowska.
Merry MacMasters
Periódico La Jornada
Viernes 27 de mayo de 2011
Rebelde y feminista precoz, la pintora, escultora, grabadora, escritora, dramaturga y escenógrafa surrealista Leonora Carrington falleció a los 94 años, el miércoles a las 22:37 horas, a consecuencia de una neumonía por la que fue hospitalizada hace una semana.
Inglesa de nacimiento, pero exiliada en México desde 1942, donde se naturalizó mexicana, doña Leonora fue velada ayer en una funeraria del sur de la ciudad y luego sepultada en el Panteón Británico. En 2005 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes, en el área de Bellas Artes, por lo que tenía derecho a que su féretro se llevase al Palacio de Bellas Artes.
Sin embargo, no fue su deseo recibir un homenaje de cuerpo presente allí, manifestó Martha Patricia Weisz, esposa de Gabriel Weisz, hijo de la artista.
De todos modos, mañana a las 13 horas se rendirá tributo a Carrington con una exhibición de sus esculturas en el máximo recinto cultural del país.
Carrington nació el 6 de abril de 1917 en Clayton Green, Lancashire, Inglaterra, hija de una ama de casa irlandesa y un industrial inglés, ambos profundamente católicos.
En 1920 la familia se trasladó a Crookhey Hall, mansión victoriana cercana a Lancaster, cuya influencia es apreciable en toda la producción artística de Carrington.
Desde pequeña enfrentó la existencia de dos mundos contrastantes y contradictorios. Por un lado, la disciplina autoritaria de una sociedad patriarcal y cruel, llena de reglas y convenciones absurdas y, por el otro, un mundo de libertad e imaginación nutrida por sus propias lecturas y por los cuentos celtas y las historias que contaban su madre, su abuela y su nana también irlandesa.
Buena parte de su obra proviene de esa rebeldía, en ocasiones subversiva, contra la autoridad patriarcal, así como de la fascinación por los parajes míticos y paradisiacos de su infancia, poblados por dioses, hadas, monstruos híbridos y bestias fabulosas.
De niña-musa a mujer-hechicera
Con una vida escolar inestable debido a su naturaleza rebelde e introspectiva, desde muy pequeña dibujaba escenas relacionadas con las historias que inventaba. A los 15 años fue enviada al internado de Miss Penrose en Florencia, Italia, estancia que resultó determinante para su carrera, pues allí entró en contacto por primera vez con artistas que llegarían a tener gran impacto en su pintura.
Tras reafirmar su vocación en el arte, ingresó como alumna en la academia del pintor purista Amédée Ozenfant en 1936, ubicada en Londres. Habría que destacar la impresión que por entonces hizo en Carrington el conocimiento químico que Ozenfant exigía como requisito de la producción artística, y que fue justamente en aquella época cuando la joven comenzó a adquirir libros de alquimia en las librerías de viejo de la capital británica.
En aquel entonces también su madre le regaló El surrealismo, de Herbert Read, libro que contenía intermitentes alusiones a las alquimia en relación con la producción artística en general y específicamente con la de los surrealistas. El libro produjo un fuerte impacto en la joven, ya que en él descubrió sobre todo la obra de Max Ernst, al que pronto conocería y de quien se enamoró. Huyó a París para reunirse con él, pero también para avanzar en el quehacer artístico. En la ciudad luz se convirtió en miembro activo del círculo surrealista de André Breton. Sin embargo, su identificación con los animales alejó a Carrington del reino de la niña-musa y reveló sus poderes de mujer-hechicera, desafiando el papel tradicional de musa prescrito por los surrealistas.
Socia artística de Remedios Varo
La Segunda Guerra Mundial resultó desastrosa para la pareja Carrington-Ernst, pues él fue arrestado en varias ocasiones y la artista acabó en un hospital siquiátrico. En 1941 logró salir de Europa gracias a la ayuda de Renato Leduc, entonces embajador de México en Portugal, con quien se casó para aprovechar su inmunidad diplomática. Primero vivieron en Nueva York y luego en la ciudad de México, donde su matrimonio por conveniencia tocó a su fin y se divorciaron.
Por medio de Benjamín Péret y Remedios Varo conoció al fotógrafo húngaro refugiado Emérico Chiki Weisz, con quien se casó en 1946 y procreó dos hijos: Gabriel (1946) y Pablo (1948). Entre sus amistades europeas en México, una fue fundamental para Carrington: la de la pintora surrealista es-pañola Remedios Varo, su socia artística.
De acuerdo con Susan L. Aberth, autora del libro Leonora Carrington: surrealismo, alquimia y arte, su pintura no comenzó a atraer la atención hasta después de su traslado a México. En enero de 1947 Víctor Serge escribió para el diario londinense Horizon: Su obra presente, que revela claramente la influencia de los primitivos, es, en mi opinión, un ejemplo sorprendente de proyección directa sobre el lienzo de una vida interior intensa, angustiada, y sin embargo, luminosamente adolescente.
Esteban Francés, primer esposo de Remedios Varo, presentó a Carrington coleccionista inglés Edward James, quien a su vez le organizó una exposición individual de 28 obras en la galería Pierre Matisse de Nueva York en 1948. Convertido en uno de los principales patrocinadores y promotores de Carrington, James escribió un ensayo de ocho páginas sobre la artista, y la exposición fue comentada brevemente en Time y Art News. Gracias a la prensa en febrero de 1950 tuvo su primera muestra individual en México, en Clardecor, un salón de exposiciones de diseño de interiores. Enseguida, se interesó en ella Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, donde por muchas décadas proporcionó a la artista exposiciones, patrocinadores y cierto grado de seguridad económica, escribe Aberth. Marcel Jean la incluyó con detenimiento en su Historia de la pintura surrealista (Grove Press, Nueva York, 1959).
El mundo de los mayas
Como muchos artistas mexicanos en los años 50 del siglo pasado, Carrington quiso explorar el diseño escenográfico, por lo que creó los decorados y el vestuario de su obra teatral, Penélope, en 1957. En esa misma época su pintura adquirió una atmósfera teatral.
A principios de los años 60 le fue encargado su primer mural para la sección dedicada a Chiapas del naciente Museo Nacional de Antropología, inaugurado en 1964. Para pintar El mundo mágico de los mayas, un año antes Carrington viajó a Chiapas para estudiar la región y sus pueblos; también estudió el Popol Vuh, el libro sagrado de los antiguos mayas quichés.
Desde 1968 y durante los años 70 de esa centuria, Leonora Carrington pasó bastante tiempo en Estados Unidos, sobre todo en Nueva York y en los suburbios de Chicago. En esos años entró en contacto con el movimiento feminista y en 1972 diseñó un cartel dedicado a la liberación de las mujeres mexicanas, titulado Mujeres conciencia. Ahora existía una activa voz política –siempre evitó el compromiso político directo– para todo aquello que Carrington había expresado filosófica y visualmente. Así pues, su obra atrajo la atención de las feministas, quienes revaluaron su lugar en la historia del arte.
En la década de los 80 sus cuadros adoptaron un tono más brillante, quizá porque comenzó a utilizar acrílicos. También en esos años Carrington empezó a fundir esculturas en bronce. Había experimentado anteriormente con la plata fundida, produciendo la marioneta titulada La vaca, cuyo pecho tiene puertas con bisagras que se abren dejando ver un rostro en lugar del corazón. Sus piezas en bronce empezaron a crecer y la obra Cómo hace el pequeño cocodrilo (1998), que toma su título de un poema de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll, fue agrandada, colocada en la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec y finalmente sobre Paseo de la Reforma.
lunes, 23 de mayo de 2011
San Pascualito Rey
El día de mañana habrá un especial en el 99.7 de San Pascualito Rey a la 1pm. con entrevista y todo.
Pascual dijo cosas muy interesantes.
Un recordatorio visual.
... y el presente
Pascual dijo cosas muy interesantes.
Un recordatorio visual.
... y el presente
jueves, 19 de mayo de 2011
A 30 años de Ian Curtis
Este próximo mes de Junio, Rhino Records UK lanzará Total, la primera compilación que reune música de Joy Division y New Order. Estarán presentes clasicos como "Love Will Tear Us Apart" y "Blue Monday"18 tracks que incluyen una nueva canción de New Order llamada "Hellbent,".
New Order - Hellbent (Previously Unreleased) by Rhino UK
New Order - Hellbent (Previously Unreleased) by Rhino UK
martes, 17 de mayo de 2011
domingo, 15 de mayo de 2011
Indie Suite
Indie Suite
“Hazlo tu mismo” es el lema de la tendencia independiente que se ha acreditado en la cultura y el arte como una opción para los creadores y que se conoce ordinariamente bajo el término indie, de esta manera se han derivado expresiones en la música popular que en los últimos años ha tomado fuerza. Una de ellas, el INDIE ROCK. Además de tratarse de un estilo musical más por su condición que por el propio concepto es un fenómeno que incluye fanáticos y agrupaciones casi de cualquier lugar. En México por supuesto existe un movimiento evidente ¿cómo es en Hidalgo?
Género: Documental
Blanco y negro
Video
28 min.
Dirección Israel Rubio Montiel
Producción: Foecah 2010/ Producciones de Onda
“Hazlo tu mismo” es el lema de la tendencia independiente que se ha acreditado en la cultura y el arte como una opción para los creadores y que se conoce ordinariamente bajo el término indie, de esta manera se han derivado expresiones en la música popular que en los últimos años ha tomado fuerza. Una de ellas, el INDIE ROCK. Además de tratarse de un estilo musical más por su condición que por el propio concepto es un fenómeno que incluye fanáticos y agrupaciones casi de cualquier lugar. En México por supuesto existe un movimiento evidente ¿cómo es en Hidalgo?
Género: Documental
Blanco y negro
Video
28 min.
Dirección Israel Rubio Montiel
Producción: Foecah 2010/ Producciones de Onda
martes, 10 de mayo de 2011
Danger Mouse and Daniele Luppi – Rome
En definitiva Danger Mouse es uno de los genios de los últimos años dentro de la música, su nueva aventura que en realidad viene desde tiempo atrás cuando conoció a Daniele Luppi, es un gran álbum, en donde acertadamente aparecen también Jack White y Norah Jones.
escucha previa
lunes, 2 de mayo de 2011
Beastie Boys
Ya esta en la puerta en el nuevo disco de los Beastieboys, un adelanto en stream.
Hot Sauce Committee Part Two by Beastie Boys
Hot Sauce Committee Part Two by Beastie Boys
domingo, 1 de mayo de 2011
La mentira, la guerra y el imperio
Buscando por ahí nuevas propuestas me tope con Wolfgang Gartner y su canción "Illmerica", el video me dejo maravillado, en primer lugar porque esta realizado de forma magistral, en segundo lugar por que resume de manera inmejorable la construcción de un imperio y todo lo que ello implica.
viernes, 29 de abril de 2011
Los sueños de Akira
Ahora que Japón ocupa un lugar central en la agenda mediática debido a las crudas circunstancias que a traviesa, resulta interesante y quizá necesario hablar de las muchas caras que tiene este país, desde las aportaciones tecnológicas: por poner un solo ejemplo el creador del CD era japonés y falleció recientemente, hasta sus aportes a la cultura popular con miles de series infantiles (Astroboy es una de mis favoritas), dentro del cine también siempre han tenido grandes personalidades como Akira Kurosawua.
Akira Kurosawua es uno de los directores más emblemáticos de la vieja guardia del cine japonés, nació en 1910 cerca de Tokio y falleció en 1998, cuenta con una extensa filmografía entre la que destacan las películas Rashomon, con la que obtuvo el león de oro en el festival de Venecia de 1951, Shichinin no samurai (Los Siete Samurais), Kakushi toride no san-akunin (La Fortaleza Escondida), Dersu Uzala (El cazador) con la que obtuvo el oscar a mejor película extranjera en 1975.
En 1990 Kurasawua tenía en mente un proyecto llamado Dreams, filme que actualmente también es conocido como: los sueños de Akira, sin embargo en ese momento el director japonés estaba en la quiebra pero contaba con un gran prestigio y honor, así que con la colaboración como productores de Steven Spielberg, Francis Ford Coppola y Martin Escorsece, logro realizar esta película que se convirtió en otro de sus filmes emblemáticos.
Desde que ocurrió la tragedia en Fukushima me vino a la memoria este filme, se compone de ocho cortos, todos basados en sueños que tuvo el director, realizados con una maestría, una belleza y una enseñanza tremenda, hay que recordar que Akira esta influenciado por el impresionismo, es fabuloso el corto llamado cuervos, en el que literalmente le da vida a varios cuadros de Van Gogh, mete la cámara, los personajes y al espectador al cuadro, es maravilloso.
El penúltimo lleva el título de “El Fujiyama en rojo”, en el una central nuclear cercana a dicho pico explota y provoca la extinción de todo a su alrededor. El grueso de la población se lanza al mar, los personajes que quedan al centro del encuadre van adquiriendo fuerza, una madre con sus dos hijos se convierte en la conciencia: “No es justo que nuestros hijos no disfruten de la vida por un accidente humano que siempre se dijo que no pasaría”.
Un hombre mayor acepta ser uno de los responsables “la estupidez humana es increíble”, explica que color identifica al plutonio, el estroncio o el cesio “la radioactividad es invisible, sólo la han coloreado para saber qué es lo que nos matará”
En el último de los ocho cortos Akira toca el tema de la mutación y los efectos de la radiación.
miércoles, 13 de abril de 2011
Tv on the radio nine types of light
Ayer se publico oficialmente el nuevo LP de Tv On The Radio. Aquí el disco sí aún no lo han escuchado:
TV On The Radio - Nine Types Of Light by Interscope Records
12 de abril 2011,se cumplen 50 años del primer vuelo espacial tripulado por un ser humano, también es la fecha oficial del lanzamiento del cuarto álbum de estudio de Tv On The Radio, banda originaria de Brooklyn Nueva York.
Punk, jazz, música electrónica, soul e imágenes cinematográficas es lo que compone la atmosfera de Tv On The Radio, la banda se formo en torno al vocalista Tunde Adebimpe y el multiinstrumentista y productor David Andrew Sitek, Young Liars es el primer Ep de la banda grabando con la adhesión de Kyp Malone, Jason Sitek y la colaboración de Nikc Zinner, el entonces poco conocido guitarrista de los Yeah Yeah Yeahs, Young Liars se publico en 2003 y ello supuso el primer paso en la carrera de Tv On The Radio.
El primer lp de Tv On The Radio llegaría en 2004 bajo el nombre de Desperate Youth, Blood Thirsty Babes, se embarcarían durante el resto de ese año en un tour de presentación que los llevo a compartir escenario con The Faint y Pixies. Tras dos años de intenso trabajo Tv On The Radio volvió al estudio para grabar su segunda entrega, Return To Cookie Mountian, disco publicado en 2006 y que contó con la distribución europea del reconocido sello 4AD, mientras que para América el lanzamiento se realizo a través de Interscope.
Para cuando se lanzo el segundo álbum su trabajo era reconocido incluso por artistas con una larga y amplia trayectoria como el mismo David Bowie, quien colabora realizando algunos coros en el disco.
Dear Science se publico en 2008, es el tercer disco de TV On The Radio, en este 2011 presentan Nine Types Of Light, cuarto disco de la banda. El titulo, según se lee en la pagina oficial, "punto numero 5 de las cosas que debes de saber acerca de este disco, explica que quizás alude al fenómeno de refracción de la luz, incluso a técnicas de iluminación empleadas en el cine y la fotografia, aunque en realidad también era la frase mas recurrente dentro de la cabeza de Tunde a la hora de pensar en este disco.
La primera parte de Nine Types Of Light se compone de canciones lentas, atmosféricas, la característica voz y la cadencia del grupo se mantiene, es un álbum quizá mas introspectivo, en el que a diferencia de sus anteriores trabajos hablan mas abiertamente de las relaciones personales, will do es el primer sencillo de este álbum, el video de dicha canción habla de la necesidad y confusión a la hora de emplear herramientas tecnológicas para recrear emociones humanas.
Nine types of Light es el primer disco que la banda graba fuera de su entorno natural, trasladándoce de Nueva York a Los Ángeles para encontrarse con las sensaciones que describen, canciones existencialistas quizá para la época actual, de constantes cambios dirigidos por la inmediatez, canciones que a su vez resultan esperanzadoras y sin fecha de caducidad.
A la par del disco se realizo este material visual.
TV On The Radio - Nine Types Of Light by Interscope Records
12 de abril 2011,se cumplen 50 años del primer vuelo espacial tripulado por un ser humano, también es la fecha oficial del lanzamiento del cuarto álbum de estudio de Tv On The Radio, banda originaria de Brooklyn Nueva York.
Punk, jazz, música electrónica, soul e imágenes cinematográficas es lo que compone la atmosfera de Tv On The Radio, la banda se formo en torno al vocalista Tunde Adebimpe y el multiinstrumentista y productor David Andrew Sitek, Young Liars es el primer Ep de la banda grabando con la adhesión de Kyp Malone, Jason Sitek y la colaboración de Nikc Zinner, el entonces poco conocido guitarrista de los Yeah Yeah Yeahs, Young Liars se publico en 2003 y ello supuso el primer paso en la carrera de Tv On The Radio.
El primer lp de Tv On The Radio llegaría en 2004 bajo el nombre de Desperate Youth, Blood Thirsty Babes, se embarcarían durante el resto de ese año en un tour de presentación que los llevo a compartir escenario con The Faint y Pixies. Tras dos años de intenso trabajo Tv On The Radio volvió al estudio para grabar su segunda entrega, Return To Cookie Mountian, disco publicado en 2006 y que contó con la distribución europea del reconocido sello 4AD, mientras que para América el lanzamiento se realizo a través de Interscope.
Para cuando se lanzo el segundo álbum su trabajo era reconocido incluso por artistas con una larga y amplia trayectoria como el mismo David Bowie, quien colabora realizando algunos coros en el disco.
Dear Science se publico en 2008, es el tercer disco de TV On The Radio, en este 2011 presentan Nine Types Of Light, cuarto disco de la banda. El titulo, según se lee en la pagina oficial, "punto numero 5 de las cosas que debes de saber acerca de este disco, explica que quizás alude al fenómeno de refracción de la luz, incluso a técnicas de iluminación empleadas en el cine y la fotografia, aunque en realidad también era la frase mas recurrente dentro de la cabeza de Tunde a la hora de pensar en este disco.
La primera parte de Nine Types Of Light se compone de canciones lentas, atmosféricas, la característica voz y la cadencia del grupo se mantiene, es un álbum quizá mas introspectivo, en el que a diferencia de sus anteriores trabajos hablan mas abiertamente de las relaciones personales, will do es el primer sencillo de este álbum, el video de dicha canción habla de la necesidad y confusión a la hora de emplear herramientas tecnológicas para recrear emociones humanas.
Nine types of Light es el primer disco que la banda graba fuera de su entorno natural, trasladándoce de Nueva York a Los Ángeles para encontrarse con las sensaciones que describen, canciones existencialistas quizá para la época actual, de constantes cambios dirigidos por la inmediatez, canciones que a su vez resultan esperanzadoras y sin fecha de caducidad.
A la par del disco se realizo este material visual.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)