Estados Unidos se esta revolcando, el imperio no sabe como rehacerse y da unas de cal por tantas balas y otras de arena.
Grata sorpresa resultó la noticia de que el actor mexicano de 48 años, Demián Bichir, fue postulado en la categoría de mejor actor para la próxima entrega de los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, mejor conocidos como los “Oscar”.
Por supuesto que aplaudo, no el hecho, si al actor, porque tal cosa parece más bien un acto políticamente correcto y planeado, que un verdadero reconocimiento a la ya larga carrera del histrión. Quiero decir que leamos entrelíneas y veamos más allá de la pantalla, pues no olvidemos que son tiempos electorales en el país vecino del norte.
“A better Life (Una Vida Mejor)”, cuanta la historia de Carlos Galindo, un inmigrante que después de casarse “como todos allá en el pueblo”, dice certero un uno de sus diálogos Demian Bichir, se lanza a los Estados Unidos con la única intención de buscarse una vida mejor, pero el sueño americano no siempre resulta como en el mundo de Disney, la situación se vuelve complicada, el personaje principal acaba por perderlo todo, primero a su esposa, sus raíces, su libertad y casi a su hijo, un mexicano a todo color, pero que por nacer estadounidense se encuentra perdido entre ambas naciones, habla más inglés que español y le atrae más ser pandillero que ir a la escuela.
El filme es dirigido por Chris Weitz, por cierto de raíces mexicanas, retoma el fenómeno de la migración, tema que ha sido ya tratado en otras cintas, también parece deberle un poco a los filmes de Larry Klark por su forma de bosquejar a la juventud. Sin lugar a dudas la actuación de Bichir es los que sostiene la película, pues los otros personajes aparecen un poco desdibujados y algunas acciones resultan por momentos inverosímiles.
Sin embargo el director consigue reflejar todo lo que acarrea dicho fenómeno: discriminación, delincuencia, negación de
servicios y papeles, una existencia reducida solo a los trabajos que los estadounidenses no harían. Revelador resulta también otro de los diálogos de Bichir, que cabe decir, tiene como interlocutor a Blasco, un personaje interpretado por Joaquín Cosio, ambos concluyen que son cada vez más los mexicanos en aquel país. Una completa deconstrucción social, con todo lo que ello implica, es lo que retrata el filme.
viernes, 27 de enero de 2012
Un Mundo de NOVELA NEGRA!!!...
la SOPA me castigará por estas citas…
“Mientras se inauguraba en nuestra ciudad, frente al bostezo de los leones de piedra de Chapultepec, una estela de luz que costó mil millones de pesos, seis indígenas morían en la sierra Tarahumara por las consecuencias de una de las peores sequías de la historia”…
Lo anterior bien podría ser un comienzo excepcional para una novela negra, un relato descolorido y triturador sobre el mundo actual, o bien un fragmento no incluido en “Cien años de soledad”, y ya muy atrevido hasta de un toque Rulfiano.
En realidad se trata de un fragmento del articulo que la reconocida escritora Elena Poniatowska publicó el miércoles 18 de enero de 2012 en el diario La Jornada, bajo el título de ¡Ni maíz, ni frijol, sólo la Estela de Luz!.
Hago la cita de Poniatowska y la comparación con tópicos literarios para preguntarme y preguntar cuantas aberraciones más tenemos que soportar o ver pasar.
Al respecto revivo también otro asunto peculiar: mucho se ha hablado de las graves cifras respecto a la trata de blancas, mucho se dice al respecto de la equidad de género y de la eliminación de practicas machistas, sin embargo hemos sido testigos de cómo varias azafatas de la aerolínea Mexicana de Aviación tuvieron que desnudarse, primero como forma de protesta por la perdida de empleos y después como una nueva manera de obtener recursos, por supuesto la pupila y el morbo lo agradece, pero de ahí se esta a un paso de lo que les ha sucedido a algunas Reinas de belleza que acaban seducidas por los billetes del Narco.
Como colofón del delirio se viene el apagón relacionado con las leyes SOPA, SINDE, IP. Neologismos en la era de la tecnología que han venido a sustituir a los ismos de antaño. Cito para despedirme en el mismo tenor otro gran texto:
1984 de George Orwell
…EL GRAN HERMANO TE VIGILA, decían las grandes letras…instalados los cuatro Ministerios entre los cuales se dividía todo el sistema gubernamental. El Ministerio de la Verdad, que se dedicaba a las noticias, a los espectáculos, la educación y las bellas artes. El Ministerio de la Paz, para los asuntos de guerra. El Ministerio del Amor, encargado de mantener la ley y el orden. Y el Ministerio de la Abundancia, al que correspondían los asuntos económicos.
Pero no todo esta perdido ni dicho…
“Mientras se inauguraba en nuestra ciudad, frente al bostezo de los leones de piedra de Chapultepec, una estela de luz que costó mil millones de pesos, seis indígenas morían en la sierra Tarahumara por las consecuencias de una de las peores sequías de la historia”…
Lo anterior bien podría ser un comienzo excepcional para una novela negra, un relato descolorido y triturador sobre el mundo actual, o bien un fragmento no incluido en “Cien años de soledad”, y ya muy atrevido hasta de un toque Rulfiano.
En realidad se trata de un fragmento del articulo que la reconocida escritora Elena Poniatowska publicó el miércoles 18 de enero de 2012 en el diario La Jornada, bajo el título de ¡Ni maíz, ni frijol, sólo la Estela de Luz!.
Hago la cita de Poniatowska y la comparación con tópicos literarios para preguntarme y preguntar cuantas aberraciones más tenemos que soportar o ver pasar.
Al respecto revivo también otro asunto peculiar: mucho se ha hablado de las graves cifras respecto a la trata de blancas, mucho se dice al respecto de la equidad de género y de la eliminación de practicas machistas, sin embargo hemos sido testigos de cómo varias azafatas de la aerolínea Mexicana de Aviación tuvieron que desnudarse, primero como forma de protesta por la perdida de empleos y después como una nueva manera de obtener recursos, por supuesto la pupila y el morbo lo agradece, pero de ahí se esta a un paso de lo que les ha sucedido a algunas Reinas de belleza que acaban seducidas por los billetes del Narco.
Como colofón del delirio se viene el apagón relacionado con las leyes SOPA, SINDE, IP. Neologismos en la era de la tecnología que han venido a sustituir a los ismos de antaño. Cito para despedirme en el mismo tenor otro gran texto:
1984 de George Orwell
…EL GRAN HERMANO TE VIGILA, decían las grandes letras…instalados los cuatro Ministerios entre los cuales se dividía todo el sistema gubernamental. El Ministerio de la Verdad, que se dedicaba a las noticias, a los espectáculos, la educación y las bellas artes. El Ministerio de la Paz, para los asuntos de guerra. El Ministerio del Amor, encargado de mantener la ley y el orden. Y el Ministerio de la Abundancia, al que correspondían los asuntos económicos.
Pero no todo esta perdido ni dicho…
El Ilusionista “Sylvain Chomet”.
Aquella máxima por demás conocida y repetida que reza: “una imagen vale más que mil palabras”, adquiere un carácter de verdad y valor en el trabajo del francés “Sylvain Chomet”.
Este director cinematográfico ha realizado en una década dos cintas verdaderamente memorables dentro del género de la animación. En 2003 presentó su opera prima bajo el titulo de “Las Trillizas de Beleville (Les Triplettes de Belleville), aquel trabajo lo coloco de inmediato al tu por tu con personalidades de la talla y experiencia de Hayao Miyazaki.
Chomet ha vuelto figurar en el esplendor de las salas y de la critica cinematográfica con su segundo largometraje titulado “El Ilusionista” ( L'illusionniste, 2010) con ambas cintas ha sido nominado al premio oscar, pero la hegemonía y el imperialismo de la academia estadounidense lo sigue teniendo en espera.
En ambos filmes el director impone rápidamente un estilo reconocible y de gran carácter. En su primera cinta aborda la historia de un pequeño niño convertido en gran ciclista, sin perder coherencia es capaz de meter en la trama al mundo del cabaret y la mafia.
En su segunda película mejora en todos los sentidos, la animación tiene su firma indeleble, un trabajo de exquisitez artesanal, reforzado con un tono sepia para llevarnos hasta finales de los años 1950, el guión es además un rescate de Jacques Tatti, actor y director francés que había escrito este argumento hace más de 50 años.
El ilusionista nos lleva por los periplos de un mago que va de un escenario a otro, topándose con toda clase de personajes, un ventrílocuo que cura su soledad junto a su títere, un payaso siempre a punto del suicidio. Una joven que gracias al mago conoce la ilusión y pasa de la calma del campo ha convulsión de la ciudad.
El cine de Chomet va gratamente contracorriente del tan en boga 3D, también se aleja de los clichés destinados ha imponer pensamientos y vender juguetes, tan común en otras cintas de animación. El cine de este director es arte y calidad pura sin ser pretencioso, sus imágenes y personajes son tan solidos que casi prescinden incluso de las palabras.
Este director cinematográfico ha realizado en una década dos cintas verdaderamente memorables dentro del género de la animación. En 2003 presentó su opera prima bajo el titulo de “Las Trillizas de Beleville (Les Triplettes de Belleville), aquel trabajo lo coloco de inmediato al tu por tu con personalidades de la talla y experiencia de Hayao Miyazaki.
Chomet ha vuelto figurar en el esplendor de las salas y de la critica cinematográfica con su segundo largometraje titulado “El Ilusionista” ( L'illusionniste, 2010) con ambas cintas ha sido nominado al premio oscar, pero la hegemonía y el imperialismo de la academia estadounidense lo sigue teniendo en espera.
En ambos filmes el director impone rápidamente un estilo reconocible y de gran carácter. En su primera cinta aborda la historia de un pequeño niño convertido en gran ciclista, sin perder coherencia es capaz de meter en la trama al mundo del cabaret y la mafia.
En su segunda película mejora en todos los sentidos, la animación tiene su firma indeleble, un trabajo de exquisitez artesanal, reforzado con un tono sepia para llevarnos hasta finales de los años 1950, el guión es además un rescate de Jacques Tatti, actor y director francés que había escrito este argumento hace más de 50 años.
El ilusionista nos lleva por los periplos de un mago que va de un escenario a otro, topándose con toda clase de personajes, un ventrílocuo que cura su soledad junto a su títere, un payaso siempre a punto del suicidio. Una joven que gracias al mago conoce la ilusión y pasa de la calma del campo ha convulsión de la ciudad.
El cine de Chomet va gratamente contracorriente del tan en boga 3D, también se aleja de los clichés destinados ha imponer pensamientos y vender juguetes, tan común en otras cintas de animación. El cine de este director es arte y calidad pura sin ser pretencioso, sus imágenes y personajes son tan solidos que casi prescinden incluso de las palabras.
Extra Extra…Canciones para Aliens
El maestro argentino Fito Páez, presentó durante noviembre de 2011 su mas reciente material discográfico titulado: "Canciones para Aliens" , un álbum de 14 temas que serán transmitidos durante enero de 2012 por ondas electromagnéticas al espacio, y que forma parte del proyecto "Música al Espacio" de la disquera Sony Music y la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).
"Música al Espacio" es una iniciativa entre Sony Music y la UNAM que persigue implementar una solución tecnológica que permita el envío de música al espacio, según Víctor García Garduño, jefe del Departamento de Ingeniería en Telecomunicaciones de la UNAM.
En cuanto al álbum debemos de estar seguros que si los Aliens, o cualquier otro tipo de vida que se encuentre mas allá de la estratosfera, tienen buen gusto, quedarán encantados con lo que escucharan en esta magnifica obra del argentino.
Fito Páez hace completamente suyas varias canciones de reconocidos autores, aglutinando sonidos de diversas latitudes con un gusto y maestría exquisitas. Baila por ahí es el track que abre le disco, para dar paso a “un beso y una flor” de “seguridad social”, después viene la magnifica composición “construcción” de Chico Buarque, soberbia interpretación de Páez.
El track 4 esta ocupado por “el breve espacio en que no estas” de Pablo Milanés, en ese mismo tono se encuentra “te recuerdo Amanda” de “Víctor Jara”, para rematar en todo lo alto con "Yo no quiero volverme tan loco" de Charly García; y "Fiesta" de Joan Manuel Serrat.
Un álbum de grandes alturas como anuncia su irónico titulo, un disco para elevarse y levitar por medio de la música y las excepcionales interpretaciones que Fito Páez ha realizado.
"Música al Espacio" es una iniciativa entre Sony Music y la UNAM que persigue implementar una solución tecnológica que permita el envío de música al espacio, según Víctor García Garduño, jefe del Departamento de Ingeniería en Telecomunicaciones de la UNAM.
En cuanto al álbum debemos de estar seguros que si los Aliens, o cualquier otro tipo de vida que se encuentre mas allá de la estratosfera, tienen buen gusto, quedarán encantados con lo que escucharan en esta magnifica obra del argentino.
Fito Páez hace completamente suyas varias canciones de reconocidos autores, aglutinando sonidos de diversas latitudes con un gusto y maestría exquisitas. Baila por ahí es el track que abre le disco, para dar paso a “un beso y una flor” de “seguridad social”, después viene la magnifica composición “construcción” de Chico Buarque, soberbia interpretación de Páez.
El track 4 esta ocupado por “el breve espacio en que no estas” de Pablo Milanés, en ese mismo tono se encuentra “te recuerdo Amanda” de “Víctor Jara”, para rematar en todo lo alto con "Yo no quiero volverme tan loco" de Charly García; y "Fiesta" de Joan Manuel Serrat.
Un álbum de grandes alturas como anuncia su irónico titulo, un disco para elevarse y levitar por medio de la música y las excepcionales interpretaciones que Fito Páez ha realizado.
The rapture
La historia de una banda de rock (al igual que casi todas las historias) es como una madeja de hilo que tiene que desenredarse poco a poco, para poder entender mejor, sobrevivir al tiempo y comenzar a ordenar la madeja, a veces hace falta hasta la catástrofe.
Los personajes de esta historia son el baterista Vito Roccoforte, quién en 1998 formó junto a su amigo de la infancia, el cantante y guitarrista Luke Jenner, a la banda The Rapture, a la que mas tarde se unirían el bajista y cantante Matt Safer, así como el tecladista Gabriel Andruzzi.
En 2011 the rapture pública el album in the grace of your love, disco que los saca del letargo en el que se encontraban y donde la madeja comienza a desenmarañarse, resultan bastante claras y reveladoras las palabras que roccoforte ponunció en una entrevista con la revista mondosonoro publicada en septiembre de 2011: “‘In The Grace…’ supone cerrar el círculo: hemos vuelto a nuestros inicios, a como eran las cosas cuando empezamos con el grupo y a disfrutar de hacer canciones y de estar en una banda, más que preocuparnos por los resultados y las recompensas”. “Nosotros veníamos del punk”, prosigue. “Tocábamos en el salón de la casa de algún desconocido y salíamos hacia el siguiente concierto en la siguiente ciudad, sin ganar un céntimo y organizándolo todo nosotros mismos desde una cabina de teléfonos. Era cuando no había móviles ni Internet. Ahora parece algo muy lejano, pero de eso hace apenas diez años. Era una locura, pero era divertido. En esos momentos nuestro mayor sueño era tocar en Europa y fantaseábamos con vivir de la música. Cuando apareció ‘House Of Jealous Lovers’ y ‘Echoes’ (DFA, 03), en cuestión de meses todos esos sueños se hicieron realidad de repente. No hay nada de malo en ello, de hecho es algo increíble, pero sin darte cuenta empiezas a sustituir tus viejos sueños por otros mucho más estúpidos y vacíos como entrar en las listas de ventas, ser el número uno, vender miles de entradas… Y nada de eso significa nada, ello no te va a satisfacer completamente, nunca serás feliz. Yo no me metí en la música buscando eso”.
Desde mi punto de vista los dos primeros discos de The Rapture, son álbumes en los que permean un espíritu explosivo, un sonido que se expande y en ocasiones se desparrama por todos lados, que reflejan la natural búsqueda de un par de chicos que después de crecer entre el relativo sosiego de San Diego y San Francisco, se mudan a Nueva York para ser sorprendidos y acogidos por sonidos rápidos y bailables, tales experiencias a la par de sus primeras grabaciones darían fuertes cimientos al vendaval de sucesos que les dejaría su disco Echoes de 2003.
Echoes, álbum que catapulto a The Rapture al ámbito internacional fue publicado por la discográfica DFA Records, propiedad de los integrantes de Lcd Soundsystem. Es un álbum que expone por completo lo que seria el sello de la banda y que sin embargo de cabida a temas de tiempos lentos y melancólicos para después recuperar su beat sin preocupaciones
Después del suceso que resulto el álbum Echoes y de que The Rapture se sobre puso a la montaña rusa de fama, conciertos y desacuerdos entre lo integrantes, apareció el álbum Pieces Of The People We Love, disco que reafirmaría el estilo, funk disco punk y la contundencia de la banda.
Pieces Of The People We Love llevo a la cumbre a la banda, sin embargo las cosas no andaban del todo bien, aquel disco se publico en 2006 y tras la respectiva gira y conciertos la banda se concentro en construir su estudio y preparar material nuevo, sin embargo la madeja se formó y Matt el bajista abandonó a la banda
In the grace of your love es por encima de los abruptos un gran disco, supera por mucho a sus antecesores, todo la experiencia se conjuga para entregar un álbum magnifico de principio a fin,
In the grace of your love es un álbum en el que la banda se desenvuelve de una forma natural, flotando sobre texturas que reflejan ese sentimiento melancólico pero esperanzador, tal y como se percibe en la portada del álbum. El disco habla de la muerte y del nacimiento, children es el tema que tal vez Jenner realiza para su hijo recién nacido.
The Rapture vuelve a ponerse en la cúspide, ya sin importar la competencia, es la cúspide de su propia creación en la que cabe todo y todo les sale bien, desde donde la madeja se desenreda al fin.
Los personajes de esta historia son el baterista Vito Roccoforte, quién en 1998 formó junto a su amigo de la infancia, el cantante y guitarrista Luke Jenner, a la banda The Rapture, a la que mas tarde se unirían el bajista y cantante Matt Safer, así como el tecladista Gabriel Andruzzi.
En 2011 the rapture pública el album in the grace of your love, disco que los saca del letargo en el que se encontraban y donde la madeja comienza a desenmarañarse, resultan bastante claras y reveladoras las palabras que roccoforte ponunció en una entrevista con la revista mondosonoro publicada en septiembre de 2011: “‘In The Grace…’ supone cerrar el círculo: hemos vuelto a nuestros inicios, a como eran las cosas cuando empezamos con el grupo y a disfrutar de hacer canciones y de estar en una banda, más que preocuparnos por los resultados y las recompensas”. “Nosotros veníamos del punk”, prosigue. “Tocábamos en el salón de la casa de algún desconocido y salíamos hacia el siguiente concierto en la siguiente ciudad, sin ganar un céntimo y organizándolo todo nosotros mismos desde una cabina de teléfonos. Era cuando no había móviles ni Internet. Ahora parece algo muy lejano, pero de eso hace apenas diez años. Era una locura, pero era divertido. En esos momentos nuestro mayor sueño era tocar en Europa y fantaseábamos con vivir de la música. Cuando apareció ‘House Of Jealous Lovers’ y ‘Echoes’ (DFA, 03), en cuestión de meses todos esos sueños se hicieron realidad de repente. No hay nada de malo en ello, de hecho es algo increíble, pero sin darte cuenta empiezas a sustituir tus viejos sueños por otros mucho más estúpidos y vacíos como entrar en las listas de ventas, ser el número uno, vender miles de entradas… Y nada de eso significa nada, ello no te va a satisfacer completamente, nunca serás feliz. Yo no me metí en la música buscando eso”.
Desde mi punto de vista los dos primeros discos de The Rapture, son álbumes en los que permean un espíritu explosivo, un sonido que se expande y en ocasiones se desparrama por todos lados, que reflejan la natural búsqueda de un par de chicos que después de crecer entre el relativo sosiego de San Diego y San Francisco, se mudan a Nueva York para ser sorprendidos y acogidos por sonidos rápidos y bailables, tales experiencias a la par de sus primeras grabaciones darían fuertes cimientos al vendaval de sucesos que les dejaría su disco Echoes de 2003.
Echoes, álbum que catapulto a The Rapture al ámbito internacional fue publicado por la discográfica DFA Records, propiedad de los integrantes de Lcd Soundsystem. Es un álbum que expone por completo lo que seria el sello de la banda y que sin embargo de cabida a temas de tiempos lentos y melancólicos para después recuperar su beat sin preocupaciones
Después del suceso que resulto el álbum Echoes y de que The Rapture se sobre puso a la montaña rusa de fama, conciertos y desacuerdos entre lo integrantes, apareció el álbum Pieces Of The People We Love, disco que reafirmaría el estilo, funk disco punk y la contundencia de la banda.
Pieces Of The People We Love llevo a la cumbre a la banda, sin embargo las cosas no andaban del todo bien, aquel disco se publico en 2006 y tras la respectiva gira y conciertos la banda se concentro en construir su estudio y preparar material nuevo, sin embargo la madeja se formó y Matt el bajista abandonó a la banda
In the grace of your love es por encima de los abruptos un gran disco, supera por mucho a sus antecesores, todo la experiencia se conjuga para entregar un álbum magnifico de principio a fin,
In the grace of your love es un álbum en el que la banda se desenvuelve de una forma natural, flotando sobre texturas que reflejan ese sentimiento melancólico pero esperanzador, tal y como se percibe en la portada del álbum. El disco habla de la muerte y del nacimiento, children es el tema que tal vez Jenner realiza para su hijo recién nacido.
The Rapture vuelve a ponerse en la cúspide, ya sin importar la competencia, es la cúspide de su propia creación en la que cabe todo y todo les sale bien, desde donde la madeja se desenreda al fin.
Okkervil River
Okkervil River es uno de esos secretos que se van develando poco a poco, su historia es la de una agrupación fundada en Austin Texas en 1998, musicalmente se mueven entre el folk, el country y por supuesto el rock, inicialmente se conformaron como un trío, con Will Robison Sheff como líder y voz cantante desde entonces.
Su álbum debut se logro completar después de ser firmados por la pequeña casa discográfica Jagjaguwar Records, en la que siguen editando discos hasta la fecha, el debut se publico en el año 2002 con el nombre de “Don't Fall in Love with Everyone You See”.
Un año después del primer álbum apareció la segunda grabación titulada “Down the River of Golden Dreams”, y transcurrirían tres años para que Okkervil River lanzara su tercer álbum, periodo en el que la agrupación sufrió varios cambios de alineación, finalmente Will Sheff logró mantener el proyecto y sacar a flote una nueva producción bajo el titulo de “Black Sheep Boy”, logrando también una distribución a nivel europeo.
En el álbum “Black Shep Boy” de 2005, la lírica de Sheff era parecida a la de un novelista, mientras que la música de la banda alcanzaba altos niveles de poder, ese talento de escritor se reafirmaba con el siguiente Lp: “Stage Names”, publicado en 2007, en el que las canciones están impregnadas de una manufactura casi artesanal, confeccionadas con delicadeza y minuciosidad. Vendría después la quinta grabación de estudio de la banda: “The Stans Ins”
Previo al lanzamiento del sexto álbum de Okkervil River en 2011, Sheff se mantuvo activo, escribiendo canciones incluso para otros artistas como Norah Jones, colaborando con su voz para los canadienses de New Pornographers o sirviendo él y su banda de acompañantes del mítico guitarrista y cantante Rocky Ericson. Fue finalmente en mayo cuando se lanza el “I’m Very Far”.
Es muy grato descubrir conforme los tracks de “I’m Very Far” comienzan a sucederse uno tras otro, que ninguno esta de mas, que el álbum es bueno y contundente de principio a fin. Cada arreglo, cada instrumento, los tiempos y la fuerza encuentran su lugar preciso para hacer de cada tema una pieza memorable, incluso con un cierto toque de oscuridad.
En palabras del propio Sheff “I’m Very Far” es terrible pero divertido, violento y sereno, grotesco y romántico, una celebración de fuerzas a veces fuera de control, para tales resultados la banda se sometió a métodos que no había probado antes, como grabar en distintas locaciones, hacer sesiones muy largas o procurar a veces una primera y única toma con la finalidad de capturar la intensidad del momento. “I´m Very Far reboza de épica, de detalle y emotividad, para la grabación del tema wake and be fine. Sheff realizo una versión redoblada de su propia banda, dos baterías, dos pianos, dos bajos y siete guitarras, todos tocando al mismo tiempo.
Okkervil River es sin lugar a dudas el mejor secreto que Texas había guardado hasta ahora, su álbum “I’m Very Far” los coloca en el peldaño de las bandas que no necesitan sentirse grandes para lograr discos gigantes.
Su álbum debut se logro completar después de ser firmados por la pequeña casa discográfica Jagjaguwar Records, en la que siguen editando discos hasta la fecha, el debut se publico en el año 2002 con el nombre de “Don't Fall in Love with Everyone You See”.
Un año después del primer álbum apareció la segunda grabación titulada “Down the River of Golden Dreams”, y transcurrirían tres años para que Okkervil River lanzara su tercer álbum, periodo en el que la agrupación sufrió varios cambios de alineación, finalmente Will Sheff logró mantener el proyecto y sacar a flote una nueva producción bajo el titulo de “Black Sheep Boy”, logrando también una distribución a nivel europeo.
En el álbum “Black Shep Boy” de 2005, la lírica de Sheff era parecida a la de un novelista, mientras que la música de la banda alcanzaba altos niveles de poder, ese talento de escritor se reafirmaba con el siguiente Lp: “Stage Names”, publicado en 2007, en el que las canciones están impregnadas de una manufactura casi artesanal, confeccionadas con delicadeza y minuciosidad. Vendría después la quinta grabación de estudio de la banda: “The Stans Ins”
Previo al lanzamiento del sexto álbum de Okkervil River en 2011, Sheff se mantuvo activo, escribiendo canciones incluso para otros artistas como Norah Jones, colaborando con su voz para los canadienses de New Pornographers o sirviendo él y su banda de acompañantes del mítico guitarrista y cantante Rocky Ericson. Fue finalmente en mayo cuando se lanza el “I’m Very Far”.
Es muy grato descubrir conforme los tracks de “I’m Very Far” comienzan a sucederse uno tras otro, que ninguno esta de mas, que el álbum es bueno y contundente de principio a fin. Cada arreglo, cada instrumento, los tiempos y la fuerza encuentran su lugar preciso para hacer de cada tema una pieza memorable, incluso con un cierto toque de oscuridad.
En palabras del propio Sheff “I’m Very Far” es terrible pero divertido, violento y sereno, grotesco y romántico, una celebración de fuerzas a veces fuera de control, para tales resultados la banda se sometió a métodos que no había probado antes, como grabar en distintas locaciones, hacer sesiones muy largas o procurar a veces una primera y única toma con la finalidad de capturar la intensidad del momento. “I´m Very Far reboza de épica, de detalle y emotividad, para la grabación del tema wake and be fine. Sheff realizo una versión redoblada de su propia banda, dos baterías, dos pianos, dos bajos y siete guitarras, todos tocando al mismo tiempo.
Okkervil River es sin lugar a dudas el mejor secreto que Texas había guardado hasta ahora, su álbum “I’m Very Far” los coloca en el peldaño de las bandas que no necesitan sentirse grandes para lograr discos gigantes.
Kasabian y el Velociraptor
Fue en 2004 cuando Kasabian irrumpió en el mundo de la música, su ponte sonido rememoraba la tradición de buena parte de la música inglesa con reminiscencias a los Happy Mondays, The Stone Roses o Primal Scream, sin embargo, tan pronto como su primer disco dio la vuelta a buena parte del mundo lograron desmarcarse de esa sombra y posicionarse con paso firme.
En sus inicios, además de la música de la banda también llamo la atención su nombre, se vieron envueltos en una polémica ya que en armenio Kasabian significa carnicero, además era el apellido de la joven embarazada que condujo el coche en el que huyó Charles Manson tras la matanza en la casa de la actriz Sharon Tate (esposa de Roman Polanski) en 1969. Pasado ese breve abrupto al comienzo de su carrera, la banda aseguro que de lo único que se sentían hambrientos era de poder crear música por mucho tiempo.
El primer álbum de Kasabian fue producido por ellos mismos y fue grabado en pocos meses en una granja al sur de Inglaterra. Para su segundo disco y después de una extensa gira volvieron a recluirse y el resultado de tal encierro fue el álbum Empire lanzado en agosto de 2006.
El tercer album de Kasabian data de 2009 con el titulo de “West ryder pauper lunatic asylum”, el disco fue coproducido por el guitarrista Sergio Pizzorno y el reconocido “Dan The Automator Nakamura”.
Con la perspectiva que da el tiempo y tras la salida de su cuarto LP en septiembre de 2011, se puede decir que Kasabian ha demostrado ser una banda que tiene consistencia, logrando mantener a lo largo de su carrera la potencia y efectividad en sus canciones.
Velociraptor, cuarto trabajo de la formación británica, fue nuevamente producido junto a Dan the Automator y mezclado en San Francisco. En este álbum la banda condensa el aprendizaje y se le escucha más cohesionada, creando canciones de una tremenda épica pop con lo que rememoran y refrendan esa estirpe a la que pertenecen, como himnos de este nuevo álbum se inscriben “La Fée Verte”, tema inspirado en el hada de la “absenta” bebida mítica entre artistas como Vang Gogh.
El hambre musical de la banda esta envuelta de un espíritu hedonista: “Puedes tener mi alma porque no vale nada / se la venderé al diablo por otro hit”, cantan en “I Hear Voices”, “Let's Roll Just Like We Used To”, “Days Are Forgotten” o “Goodbye Kiss” son otros de los temas que se quedan tan solo con la primera escucha. En enero 2012 editaran una edición de lujo del “Velociraptor”.
En sus inicios, además de la música de la banda también llamo la atención su nombre, se vieron envueltos en una polémica ya que en armenio Kasabian significa carnicero, además era el apellido de la joven embarazada que condujo el coche en el que huyó Charles Manson tras la matanza en la casa de la actriz Sharon Tate (esposa de Roman Polanski) en 1969. Pasado ese breve abrupto al comienzo de su carrera, la banda aseguro que de lo único que se sentían hambrientos era de poder crear música por mucho tiempo.
El primer álbum de Kasabian fue producido por ellos mismos y fue grabado en pocos meses en una granja al sur de Inglaterra. Para su segundo disco y después de una extensa gira volvieron a recluirse y el resultado de tal encierro fue el álbum Empire lanzado en agosto de 2006.
El tercer album de Kasabian data de 2009 con el titulo de “West ryder pauper lunatic asylum”, el disco fue coproducido por el guitarrista Sergio Pizzorno y el reconocido “Dan The Automator Nakamura”.
Con la perspectiva que da el tiempo y tras la salida de su cuarto LP en septiembre de 2011, se puede decir que Kasabian ha demostrado ser una banda que tiene consistencia, logrando mantener a lo largo de su carrera la potencia y efectividad en sus canciones.
Velociraptor, cuarto trabajo de la formación británica, fue nuevamente producido junto a Dan the Automator y mezclado en San Francisco. En este álbum la banda condensa el aprendizaje y se le escucha más cohesionada, creando canciones de una tremenda épica pop con lo que rememoran y refrendan esa estirpe a la que pertenecen, como himnos de este nuevo álbum se inscriben “La Fée Verte”, tema inspirado en el hada de la “absenta” bebida mítica entre artistas como Vang Gogh.
El hambre musical de la banda esta envuelta de un espíritu hedonista: “Puedes tener mi alma porque no vale nada / se la venderé al diablo por otro hit”, cantan en “I Hear Voices”, “Let's Roll Just Like We Used To”, “Days Are Forgotten” o “Goodbye Kiss” son otros de los temas que se quedan tan solo con la primera escucha. En enero 2012 editaran una edición de lujo del “Velociraptor”.
viernes, 30 de diciembre de 2011
Discos 2011
Discos en español 2011
Antes de terminar este 2011 no podíamos dejar de mencionar algunos discos que en la lengua de Cervantes nos dejaron gratos momentos.
Zoe / Música de fondo: constancia y también necedad ha sido una de las muchas herramientas con las que esta banda mexicana ha formado su carrera, en este álbum traslada al formato acústico gran parte de su repertorio, sobre todo el perteneciente a su ultima etapa, los arreglos, la instrumentación y la interpretación redimensionan la música de la banda.
Kinky / Sueño de la máquina: los regios vuelven con un álbum que presenta a diversos invitados para dar variedad al sello característico de la banda, María la “Mala” Rodríguez y Dante Espineta ponen el toque hip hop al disco.
Triclo Circus Band / EP: una de las bandas a seguir sin lugar a dudas, su ecléctica mezcla los hace una digna revelación.
Fito Páez / Canciones para aliens: el gran maestro argentino en plena forma, las composiciones no le pertenecen pero si los arreglos y la soberbia interpretación, hace suyos tremendos clásicos como: “un beso y una flor” de “Seguridad Social”, “El breve espacio… de Silvio”, “Construcción” de Chico Buarque, “yo no quiero volverme tan loco”, un disco magnifico.
Nacho Vegas / La zona Sucia / Ep como hacer crack: el español sin lugar a dudas confirma su lugar como uno de los mejores compositores de nuestro tiempo.
Austin TV /Caballeros del Albedrío: estos jóvenes mexicanos, sigue en su exploración sonora, siempre por buenos y nuevos caminos obteniendo mejores resultados.
Disco Ruido / Sistema Solar: lo mejor de este disco es que apunta que esta banda puede tener un futuro interesante si siguen evolucionando.
San Pascualito Rey / Valiente: quizá el disco más arriesgado hasta ahora, la banda se sale de su acostumbrado sonido y viran un poco para adquirir otra personalidad. Por esa aventura es valioso.
Lost Acapulco / Los Obligados Racing Team: se extrañaba con ansias un nuevo disco de esta banda, y la espera ha valido mucho la pena, Lost Acapulco no saben fallar.
Torre Blanca / Bella época: una de las revelaciones de los últimos años en la escena nacional.
Sr. Chinarro / Presidente. Otro de los grandes compositores, hasta sus chistes tiene arte, arte en cantidad…
Antes de terminar este 2011 no podíamos dejar de mencionar algunos discos que en la lengua de Cervantes nos dejaron gratos momentos.
Zoe / Música de fondo: constancia y también necedad ha sido una de las muchas herramientas con las que esta banda mexicana ha formado su carrera, en este álbum traslada al formato acústico gran parte de su repertorio, sobre todo el perteneciente a su ultima etapa, los arreglos, la instrumentación y la interpretación redimensionan la música de la banda.
Kinky / Sueño de la máquina: los regios vuelven con un álbum que presenta a diversos invitados para dar variedad al sello característico de la banda, María la “Mala” Rodríguez y Dante Espineta ponen el toque hip hop al disco.
Triclo Circus Band / EP: una de las bandas a seguir sin lugar a dudas, su ecléctica mezcla los hace una digna revelación.
Fito Páez / Canciones para aliens: el gran maestro argentino en plena forma, las composiciones no le pertenecen pero si los arreglos y la soberbia interpretación, hace suyos tremendos clásicos como: “un beso y una flor” de “Seguridad Social”, “El breve espacio… de Silvio”, “Construcción” de Chico Buarque, “yo no quiero volverme tan loco”, un disco magnifico.
Nacho Vegas / La zona Sucia / Ep como hacer crack: el español sin lugar a dudas confirma su lugar como uno de los mejores compositores de nuestro tiempo.
Austin TV /Caballeros del Albedrío: estos jóvenes mexicanos, sigue en su exploración sonora, siempre por buenos y nuevos caminos obteniendo mejores resultados.
Disco Ruido / Sistema Solar: lo mejor de este disco es que apunta que esta banda puede tener un futuro interesante si siguen evolucionando.
San Pascualito Rey / Valiente: quizá el disco más arriesgado hasta ahora, la banda se sale de su acostumbrado sonido y viran un poco para adquirir otra personalidad. Por esa aventura es valioso.
Lost Acapulco / Los Obligados Racing Team: se extrañaba con ansias un nuevo disco de esta banda, y la espera ha valido mucho la pena, Lost Acapulco no saben fallar.
Torre Blanca / Bella época: una de las revelaciones de los últimos años en la escena nacional.
Sr. Chinarro / Presidente. Otro de los grandes compositores, hasta sus chistes tiene arte, arte en cantidad…
Discos 2011
Los mejores discos del 2011... según. parte 2.
En la entrega anterior, de manera indirecta al señalar lo mejor del año “según” algunas publicaciones o medios especializados en el mundo de la música, sugería que esto de las listas de lo mejor de cada año, obedece siempre a valoraciones subjetivas, insisto, como lo hice el año pasado; que (en mi caso) lo califico más como un ejercicio de memoria, porque sin duda la música forma parte de la historia.
Gruff Rhys / Hotel Shampoo: disco en solitario del vocalista de los Super Furry Animals, electro-acústico, guitarra y cajas de ritmos sirven de colchón a la voz del cantante. Su discreción y sencillez lo hacen un buen disco, no es efectista como todos los otros que llenan medios especializados con las listas de lo mejor de este año, jaja, “Sensations In The Dark” de los hight lights del disco.
David Lynch / Crazy Clown Time: un disco que no se digiere a la primera pero que desde la primera nota se sabe que es grandioso, este maestro del cine lo define como blues moderno, abre magnifico con el acompañamiento de Karen O, “Stone’s gone up” es otro gran momento y “Good day today” es perfecta como soundtrack para un año lleno de revueltas sociales, en el video se redondea la idea.
TV On The Radio / Nine Types Of Light: primer disco grabado fuera de New York, quizá el disco mas intimo, personal, la preocupación por lo humano en tiempos donde la tecnología es lo que rige.
My Morning Jacket / Circuital: un disco épico, envolvente, perfecto balance de instrumentos, sin protagonismos, el todo es el que luce, la canción que da título al disco es una gran muestra del poder y elocuencia de la banda.
Lykke Li / Wounded Rhymes: producido por Björn Yttling, Suecia sigue sorprendiéndonos con sus propuestas, melancolía que cobija, la princesa del pop sueco.
The Rapture / In The Grace Of Your Love: la experiencia y el gusto por hacer música se sobrepone a cualquier obstáculo. Tal como la portada de su disco lo indica, The rapture se desliza tranquilamente sobre la cúspide.
Bjork / Biophillia: Bjork, la diva y emblema de Islandia vuelve a sorprender, o quizá sea mejor decir que sigue en su camino meteórico rumbo de la evolución constante. Tecnología, naturaleza y pensamiento conjugados dentro de un solo concepto-disco.
En la entrega anterior, de manera indirecta al señalar lo mejor del año “según” algunas publicaciones o medios especializados en el mundo de la música, sugería que esto de las listas de lo mejor de cada año, obedece siempre a valoraciones subjetivas, insisto, como lo hice el año pasado; que (en mi caso) lo califico más como un ejercicio de memoria, porque sin duda la música forma parte de la historia.
Gruff Rhys / Hotel Shampoo: disco en solitario del vocalista de los Super Furry Animals, electro-acústico, guitarra y cajas de ritmos sirven de colchón a la voz del cantante. Su discreción y sencillez lo hacen un buen disco, no es efectista como todos los otros que llenan medios especializados con las listas de lo mejor de este año, jaja, “Sensations In The Dark” de los hight lights del disco.
David Lynch / Crazy Clown Time: un disco que no se digiere a la primera pero que desde la primera nota se sabe que es grandioso, este maestro del cine lo define como blues moderno, abre magnifico con el acompañamiento de Karen O, “Stone’s gone up” es otro gran momento y “Good day today” es perfecta como soundtrack para un año lleno de revueltas sociales, en el video se redondea la idea.
TV On The Radio / Nine Types Of Light: primer disco grabado fuera de New York, quizá el disco mas intimo, personal, la preocupación por lo humano en tiempos donde la tecnología es lo que rige.
My Morning Jacket / Circuital: un disco épico, envolvente, perfecto balance de instrumentos, sin protagonismos, el todo es el que luce, la canción que da título al disco es una gran muestra del poder y elocuencia de la banda.
Lykke Li / Wounded Rhymes: producido por Björn Yttling, Suecia sigue sorprendiéndonos con sus propuestas, melancolía que cobija, la princesa del pop sueco.
The Rapture / In The Grace Of Your Love: la experiencia y el gusto por hacer música se sobrepone a cualquier obstáculo. Tal como la portada de su disco lo indica, The rapture se desliza tranquilamente sobre la cúspide.
Bjork / Biophillia: Bjork, la diva y emblema de Islandia vuelve a sorprender, o quizá sea mejor decir que sigue en su camino meteórico rumbo de la evolución constante. Tecnología, naturaleza y pensamiento conjugados dentro de un solo concepto-disco.
Discos 2011
Los mejores discos del 2011... según. parte 1
Según la revista Rolling Stone, lo mejor del año fue el disco: “21” de “Adele”, para Stereogum, el primer puesto lo merece la agrupación “Girls” con “Father, Son, Holy Ghost”, y NME, fieles a su nacionalismo coloca a “PJ Harvey” con “Let England Shake”.
En mi conteo personal, lo que mas frecuentemente sonó en mi reproductor musical fue esto:
Bon Iver / Bon iver: su neofolk acido y barroco envuelve a la primera.
Danger Mouse & Daniele Luppi / Rome: Una exitosa colaboración la de estas dos figuras de la música. Recuperan y homenajean a Ennio Morricone a la vez que nos regalan una bella sinfonía citadina, complementado con un toque de realidad virtual en la propuesta de sus videos.
Beirut / The Rip Tide: según Yo, el disco mejor logrado de Beirut, cada arreglo encaja perfecto, la experiencia se hace notar, la instrumentación es sencilla pero efectiva.
Arctic Monkeys / Suck it and See: esta banda en cada disco adquiere una gran madures musicalmente hablando, ejecutan mejor, continúan creativos, hacen rock duro y no pierden la actitud.
SBTRK / SBTRK: Dj ingles, de algún modo apadrinado por Radiohead, una electrónica minimalista y exquisita.
Battles: Glass Drop: un rock metódico, casi matemático, perfecta sincronía con la electrónica, divertido y bailable.
Radiohead / King of the limbs: el álbum mas breve de la banda, resultado: contundencia. La electrónica sigue estando presente, no dejan de sorprender y de ser una banda de rock. Radiohead = genialidad.
Modeselektor / Monkeytown: electrónica de primer calibre. Quizá menos bailable que otros materiales del autor pero bueno de principio a fin.
Pj Harvey / Let England Shake: muchas féminas se hicieron notar con buenas producciones este año, sin embargo con este álbum Pj demostró que les lleva algunos años de experiencia.
Kasabian / Kasabian: a caído Oasis, Kasabian busca el trono y lo llena con meritos propios.
Black Keys / El camino. Guitarra y batería como base de un rock contundente, duro.
Según la revista Rolling Stone, lo mejor del año fue el disco: “21” de “Adele”, para Stereogum, el primer puesto lo merece la agrupación “Girls” con “Father, Son, Holy Ghost”, y NME, fieles a su nacionalismo coloca a “PJ Harvey” con “Let England Shake”.
En mi conteo personal, lo que mas frecuentemente sonó en mi reproductor musical fue esto:
Bon Iver / Bon iver: su neofolk acido y barroco envuelve a la primera.
Danger Mouse & Daniele Luppi / Rome: Una exitosa colaboración la de estas dos figuras de la música. Recuperan y homenajean a Ennio Morricone a la vez que nos regalan una bella sinfonía citadina, complementado con un toque de realidad virtual en la propuesta de sus videos.
Beirut / The Rip Tide: según Yo, el disco mejor logrado de Beirut, cada arreglo encaja perfecto, la experiencia se hace notar, la instrumentación es sencilla pero efectiva.
Arctic Monkeys / Suck it and See: esta banda en cada disco adquiere una gran madures musicalmente hablando, ejecutan mejor, continúan creativos, hacen rock duro y no pierden la actitud.
SBTRK / SBTRK: Dj ingles, de algún modo apadrinado por Radiohead, una electrónica minimalista y exquisita.
Battles: Glass Drop: un rock metódico, casi matemático, perfecta sincronía con la electrónica, divertido y bailable.
Radiohead / King of the limbs: el álbum mas breve de la banda, resultado: contundencia. La electrónica sigue estando presente, no dejan de sorprender y de ser una banda de rock. Radiohead = genialidad.
Modeselektor / Monkeytown: electrónica de primer calibre. Quizá menos bailable que otros materiales del autor pero bueno de principio a fin.
Pj Harvey / Let England Shake: muchas féminas se hicieron notar con buenas producciones este año, sin embargo con este álbum Pj demostró que les lleva algunos años de experiencia.
Kasabian / Kasabian: a caído Oasis, Kasabian busca el trono y lo llena con meritos propios.
Black Keys / El camino. Guitarra y batería como base de un rock contundente, duro.
martes, 6 de diciembre de 2011
martes, 22 de noviembre de 2011
David Lynch “Crazy Clown Time”
David Lynch es un loco, uno de eso locos envidiables porque posee un espíritu singular, que se atreve prácticamente a todo. En este 2011 a sus 65 años de edad se anima a presentar, no digo debutar porque no sabemos aun sí su deseo es continuar una carrera como músico, o sí se trata solo de uno de esos gustos y caprichos de artista.
Lo de capricho lo descarto de inmediato, vendría mejor decir que es en todo caso otra vía para dar salida a la energía y creatividad que posee Lynch. Su mente le ha llevado a crear obras de la talla de “Blue Velvet” (que por cierto según se, saldrá en diciembre en Blue Ray), “El Hombre elefante”, “Crazy At Heart” con la que gano Palma de Oro como mejor película en Cannes, Lost Highway, o "Mulholland Drive", entre otras.
Su nueva creación es un disco de 14 canciones editado bajo el sello Sunday Best Recordings, el álbum tiene por titulo Crazy Clown Time, su textura es áspera, acida, turbulenta, al escucharlo de inmediato me veo envuelto en alguna secuencia contenida entre sus últimos filmes, esos momentos de negro suspenso en Mulholland Drive o Inland Empire.
No se tiene que ser seguidor de Lynch para poder escuchar este disco, se revela y camina por sí solo. El disco abre con el tema “Pinky's Dream”, protagonizado por la voz de Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeah’s. Su voz se desliza a la perfección sobre una batería que marca un pulso constante como latido de corazón, la voz se ve envuelta por atmósferas de guitarra que se sostienen en dialogo con los ritmos del bajo.
Tras el final del track 1 aparece el que es seguramente es el tema de confección más pop y pegadizo, una base electro da rienda suelta a las cavilaciones de Lynch sobre un buen día: “So tired of fire, so tired of smoke Send me an angel, save me, I wanna have a good day today”. Pero para nada se trata de un tema simple, en realidad es todo lo contrario, un juego de imágenes, al hablar de las cosas de las que esta cansado, el cineasta sustituye las palabras por sonidos, dice: “estoy cansado de –sampler de bombas o explosivos- estoy cansado de –sampler de metralletas-.”
En el disco Lynch se hace cargo de la guitarra y de la voz, presentada en cada tema con un procesador para dotarle de otra identidad, los temas son en su mayoría en tiempos lentos, no por ello menos disfrutables, “Stone's Gone Up”, podría ser otro sencillo, lo aseguro.
Blues moderno es lo que compone este disco según palabras del propio David Lynch, sin duda otra lección artística.
Lo de capricho lo descarto de inmediato, vendría mejor decir que es en todo caso otra vía para dar salida a la energía y creatividad que posee Lynch. Su mente le ha llevado a crear obras de la talla de “Blue Velvet” (que por cierto según se, saldrá en diciembre en Blue Ray), “El Hombre elefante”, “Crazy At Heart” con la que gano Palma de Oro como mejor película en Cannes, Lost Highway, o "Mulholland Drive", entre otras.
Su nueva creación es un disco de 14 canciones editado bajo el sello Sunday Best Recordings, el álbum tiene por titulo Crazy Clown Time, su textura es áspera, acida, turbulenta, al escucharlo de inmediato me veo envuelto en alguna secuencia contenida entre sus últimos filmes, esos momentos de negro suspenso en Mulholland Drive o Inland Empire.
No se tiene que ser seguidor de Lynch para poder escuchar este disco, se revela y camina por sí solo. El disco abre con el tema “Pinky's Dream”, protagonizado por la voz de Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeah’s. Su voz se desliza a la perfección sobre una batería que marca un pulso constante como latido de corazón, la voz se ve envuelta por atmósferas de guitarra que se sostienen en dialogo con los ritmos del bajo.
Tras el final del track 1 aparece el que es seguramente es el tema de confección más pop y pegadizo, una base electro da rienda suelta a las cavilaciones de Lynch sobre un buen día: “So tired of fire, so tired of smoke Send me an angel, save me, I wanna have a good day today”. Pero para nada se trata de un tema simple, en realidad es todo lo contrario, un juego de imágenes, al hablar de las cosas de las que esta cansado, el cineasta sustituye las palabras por sonidos, dice: “estoy cansado de –sampler de bombas o explosivos- estoy cansado de –sampler de metralletas-.”
En el disco Lynch se hace cargo de la guitarra y de la voz, presentada en cada tema con un procesador para dotarle de otra identidad, los temas son en su mayoría en tiempos lentos, no por ello menos disfrutables, “Stone's Gone Up”, podría ser otro sencillo, lo aseguro.
Blues moderno es lo que compone este disco según palabras del propio David Lynch, sin duda otra lección artística.
'Achtung baby' a 20 años
20 años han transcurrido ya desde que los irlandeses de U2 lanzaron su álbum “Achtung baby”, disco que los catapulto a las alturas para ser catalogados como una de las bandas mas grandes del mundo, fue grabado en seis meses en los estudio Hansa en Berlín y Windmill Lane en Dublín, convirtiéndose en el séptimo álbum de estudio de la agrupación.
La placa fue producida por los eternos colaboradores de U2: Daniel Lanois y Brian Eno, junto con Steve Lillywhite, teniendo como ingeniero a Flood y en aquel entonces fue encabezado por el sencillo 'The fly'.
Para conmemorar estos 20 años la banda prepara un nuevo ataque, en el que se lanzará una mega (es gigante y contendrá mucha material inédito, además de videos y un documental) edición especial. Al respecto de este aniversario musical, la revista británica Q se ha sumado al festejo y ha lanzado un álbum en el que convoca a varias bandas y solistas para reversionar un tema de aquel disco. Esta nueva version del original de U2 lleva el nombre de: “Ahk-toong Bay-bi_Covered”.
El disco tiene un inicio fenomenal, Nine Inch Nails con ese estilo industrialoso-rockero, nos deleita con “zoo station”. En segundo lugar aparece “Even Better Than the Real Thing” en un remix de Jacques Lu Cont, muy buena remezcla, explotando la sección de la batería, diciéndonos que definitivamente U2 son cuatro y Larry Mullen Jr. Hace muy bien su parte.
Aparecen las baladas y la sección acústica: con solo una guitarra Damien Rice ejecuta “One”, es seguido por la madrina del punk Patti Smith quién se torna hacia el soul y el jazz, acompañada de guitarra y piano para hacer de “Until the End of the World” un tema casi gospel.
Garbage marca su regreso y su buena forma musical con la versión de “Who's Gonna Ride Your Wild Horses”, es un gran gesto que un grande le de una palmadita en el hombro a otro grande, Depeche Mode aparece y hace suya “So Cruel”, buenisima!!.
En el disco también aparecen bandas mas nuevas como The Fray o The Killers, y el álbum cierra de forma acústica con Jack White.
La placa fue producida por los eternos colaboradores de U2: Daniel Lanois y Brian Eno, junto con Steve Lillywhite, teniendo como ingeniero a Flood y en aquel entonces fue encabezado por el sencillo 'The fly'.
Para conmemorar estos 20 años la banda prepara un nuevo ataque, en el que se lanzará una mega (es gigante y contendrá mucha material inédito, además de videos y un documental) edición especial. Al respecto de este aniversario musical, la revista británica Q se ha sumado al festejo y ha lanzado un álbum en el que convoca a varias bandas y solistas para reversionar un tema de aquel disco. Esta nueva version del original de U2 lleva el nombre de: “Ahk-toong Bay-bi_Covered”.
El disco tiene un inicio fenomenal, Nine Inch Nails con ese estilo industrialoso-rockero, nos deleita con “zoo station”. En segundo lugar aparece “Even Better Than the Real Thing” en un remix de Jacques Lu Cont, muy buena remezcla, explotando la sección de la batería, diciéndonos que definitivamente U2 son cuatro y Larry Mullen Jr. Hace muy bien su parte.
Aparecen las baladas y la sección acústica: con solo una guitarra Damien Rice ejecuta “One”, es seguido por la madrina del punk Patti Smith quién se torna hacia el soul y el jazz, acompañada de guitarra y piano para hacer de “Until the End of the World” un tema casi gospel.
Garbage marca su regreso y su buena forma musical con la versión de “Who's Gonna Ride Your Wild Horses”, es un gran gesto que un grande le de una palmadita en el hombro a otro grande, Depeche Mode aparece y hace suya “So Cruel”, buenisima!!.
En el disco también aparecen bandas mas nuevas como The Fray o The Killers, y el álbum cierra de forma acústica con Jack White.
Detrás de St. Vincent
Conocida es la dificultad que en ocasiones supone forjar una carrera cuando se es hijo de una figura notable y reconocida, algo similar enfrentan aquellos músicos o artistas que antes han formado parte de reconocidas bandas o agrupaciones. St. Vincent es uno de estos ejemplos, antes de iniciar su aventura solista fue conocida por colaborar con bandas como The National, Arcade Fire, Midlake, Sufjan Stevens, Andrew Bird, Bon Iver y Grizzly Bear.
Annie Clark, es la mujer cantautora y multiinstrumentista nacida en Dallas en 1982, que se encuentra detrás del seudónimo de St. Vincent, desde 2007 ha la fecha a logrado firmar 3 discos que poco a poco comienzan a ganarle un lugar en ese largo y sinuoso camino de la creación artística.
St. Vincent también demostró su destreza como guitarrista y corista de Polyphonic Spree en el álbum Fragile Army, participó como miembro de la banda de Sufjan Stevens en el tour de Illinois, fue tras esto cuando dio a conocer su primer álbum bajo el nombre de “Marry Me”, en 2007.
Guitarras teclados, percusiones, voces y cuerdas se superponen en un juego de capas dentro del primer álbum de St Vincent. Si bien fue su primer disco logro llamar la atención de publico y critica especializada, demostrando talento e ingenio.
Después de la agradable sorpresa que fue su primer álbum, Annie Clark lanzo su segunda placa en 2009, cobijada ya por el sello 4AD, este segundo álbum lleva por titulo “Actor”, en el, St. Vincent muta de piel en cada tema para encarnar a personajes que canción a canción exponen una colección de tragedias, historias revestidas por la bipolaridad sonora de las melodías.
Después de toda esta experiencia ganada St. Vincent presenta su tercer disco en 2011, el álbum “Strange Mercy”, en este disco Clark mezcla la melancolía de su lírica con temas que intentan ir mas allá de lo hecho en sus anteriores trabajos, acercandose incluso a la pista de baile.
Strange Mercy es producido por John Congleton, con quien ya trabajó en su anterior álbum. St vincent se posiciona cada vez mas con su música y deja claro el talento y la capacidad que posee.
Annie Clark, es la mujer cantautora y multiinstrumentista nacida en Dallas en 1982, que se encuentra detrás del seudónimo de St. Vincent, desde 2007 ha la fecha a logrado firmar 3 discos que poco a poco comienzan a ganarle un lugar en ese largo y sinuoso camino de la creación artística.
St. Vincent también demostró su destreza como guitarrista y corista de Polyphonic Spree en el álbum Fragile Army, participó como miembro de la banda de Sufjan Stevens en el tour de Illinois, fue tras esto cuando dio a conocer su primer álbum bajo el nombre de “Marry Me”, en 2007.
Guitarras teclados, percusiones, voces y cuerdas se superponen en un juego de capas dentro del primer álbum de St Vincent. Si bien fue su primer disco logro llamar la atención de publico y critica especializada, demostrando talento e ingenio.
Después de la agradable sorpresa que fue su primer álbum, Annie Clark lanzo su segunda placa en 2009, cobijada ya por el sello 4AD, este segundo álbum lleva por titulo “Actor”, en el, St. Vincent muta de piel en cada tema para encarnar a personajes que canción a canción exponen una colección de tragedias, historias revestidas por la bipolaridad sonora de las melodías.
Después de toda esta experiencia ganada St. Vincent presenta su tercer disco en 2011, el álbum “Strange Mercy”, en este disco Clark mezcla la melancolía de su lírica con temas que intentan ir mas allá de lo hecho en sus anteriores trabajos, acercandose incluso a la pista de baile.
Strange Mercy es producido por John Congleton, con quien ya trabajó en su anterior álbum. St vincent se posiciona cada vez mas con su música y deja claro el talento y la capacidad que posee.
miércoles, 2 de noviembre de 2011
El 'Aullido' de Ginsberg, convertido en poema visual
Hoy me tope con esta nota en un diario.
El 'Aullido' de Ginsberg, convertido en poema visual
ELMUNDO.es
Actualizado miércoles 02/11/2011 19:08 horas
"Vi las mejores mentes de mi generación /destruidas por la locura/ hambrientas histéricas desnudas, arrastrándose / por las calles de los negros al amanecer /en busca de un colérico pinchazo (...)". Y junto a los versos del emblemático 'Aullido' de Allen Ginsberg, otro poema, pero en clave visual.
Utilizadas en principio para un fragmento de animación dentro del 'biopic' homónimo que protagonizó James Franco, las imágenes de Eric Drooker -artista callejero, pintor y novelista gráfico que conoció al poeta y colaboró con él- se convierten ahora en libro, publicado en España por Sextopiso.
Drooker conoció a Ginsberg en una noche de disturbios en el Lower East Side de Manhattan. "Cuando la policía cargó, blandiendo sus porras, nos perdimos entre la multitud. Cuando me encontré con Allen un año más tarde y se dio cuenta de que yo era el artista que había creado muchos de los carteles del barrio, confesó que había estado despegándolos de los muros y farolas, y recopilándolos en su casa. Sugirió que hiciéramos juntos un cartel. Según pasaba el tiempo, colaboramos en numerosos proyectos, haciendo resaltar sus palabras sobre mis imágenes", recuerda el artista en el libro. Las ilustraciones de Drooker ayudan a imponer una lectura pausada al mítico poema de Ginsberg.
Así ocurre también en este 'Aullido' que ilustra estrofa por estrofa un poema escrito en 1955 y que le costó a la editorial que lo publicó un juicio por "obscenidad". Ginsberg, quien hace meses se convirtió en personaje en de cómic en en 'The beats', se convirtió en voz de una generación con obras como esta, en la que habla también de unos "Estados Unidos que tosen toda la noche y no nos dejan dormir" y que sin tapujos de lenguaje clamaba por aquellos "que se dejaron follar por el culo por santos motociclistas, y gritaban de gozo".
Y SÍ LES LATE EL ROLLO SIGAN POR AQUí
jueves, 6 de octubre de 2011
Björk
Desde que dio visos de tener una nueva obra que presentarnos, Biophilia de Bjork se ha convertido en uno de los discos más esperados del año, más que por tratarse de una figura consagrada, es porque se antoja una nueva aventura musical de altos alcances. Se había anunciado su lanzamiento hacia finales de septiembre, finalmente quedó esta diponible el 1º de octubre de 2011.
Si bien Bjork siempre ha sino innovadora en instrumentaciones y conceptos visuales con volta comenzó también una mayor incursión en el mundo virtual y tecnológico, ya que durante la gira de este disco utilizo el software-instrumento conocido como “Rectable”.
En 2011 Bjork se alista para lanzar su álbum “Biophilia”, un disco en el que cada canción es una galaxia dentro del universo del álbum (revalorando también este termino y concepto), el álbum habla acerca de la conciencia universal para preservar el bienestar del planeta, además el disco será lanzado con aplicaciones especiales para dispositivos móviles, (ya se puede explorar en Itunes), creadas exclusivamente para cada una de las canciones y por sí fuera poco, el primer video del disco esta dirigido de forma magistral por nada menos que Michel Gondry.
En Biophilia, Bjork intenta a través de la tecnología hacer visible lo hasta ahora invisible: la música, representada con diferentes temas de la naturaleza, desde un virus a relámpagos. Las formas cambiarán, las velocidades se acelerarán, siempre al ritmo de la música.
Crystalline su primer sencillo, fue un excelente caramelo para mostrarnos lo que es el álbum en su conjunto, un tema que comienza con encumbrada belleza y sencillez para después sorprender y convertirse en un drum&bass arriesgado y progresivo.
Si bien ya se puede apreciar parte del concepto en videos alojados en youtube, será uno de esos discos que valdrá la pena alojar en la discoteca personal o en el disco duro de una gaveta digital.
Si bien Bjork siempre ha sino innovadora en instrumentaciones y conceptos visuales con volta comenzó también una mayor incursión en el mundo virtual y tecnológico, ya que durante la gira de este disco utilizo el software-instrumento conocido como “Rectable”.
En 2011 Bjork se alista para lanzar su álbum “Biophilia”, un disco en el que cada canción es una galaxia dentro del universo del álbum (revalorando también este termino y concepto), el álbum habla acerca de la conciencia universal para preservar el bienestar del planeta, además el disco será lanzado con aplicaciones especiales para dispositivos móviles, (ya se puede explorar en Itunes), creadas exclusivamente para cada una de las canciones y por sí fuera poco, el primer video del disco esta dirigido de forma magistral por nada menos que Michel Gondry.
En Biophilia, Bjork intenta a través de la tecnología hacer visible lo hasta ahora invisible: la música, representada con diferentes temas de la naturaleza, desde un virus a relámpagos. Las formas cambiarán, las velocidades se acelerarán, siempre al ritmo de la música.
Crystalline su primer sencillo, fue un excelente caramelo para mostrarnos lo que es el álbum en su conjunto, un tema que comienza con encumbrada belleza y sencillez para después sorprender y convertirse en un drum&bass arriesgado y progresivo.
Si bien ya se puede apreciar parte del concepto en videos alojados en youtube, será uno de esos discos que valdrá la pena alojar en la discoteca personal o en el disco duro de una gaveta digital.
Media noche en París… ó Woody conoce a Picasso, Bueñuel y más.
(ya se... Hace rato que salió la película, hace rato que la vi, hace rato que escribí esto, pero no queria dejar de ponerlo por aquí)
Woody Allen esta de regreso o en realidad nunca se fue, puesto que lleva toda una vida haciendo cine, esa experiencia se ha hecho palpable y visible en cada uno de los filmes que a dirigido y (en su mayoría) actuado.
Son varios los factores que distinguen a Woody Allen como realizador: la astucia, la comicidad, la reflexión, la crítica, el don de hacer pensar y reír. Woody sigue conservando una estilo clásico de dirigir, marcado desde películas como Hanna and Her Sister’s, The Sleeper, Manhatan, Anni Hall.
Allen retrata a sus personajes y a sus entornos, explorando siempre nuevas posibilidades, ese estilo clásico se ha visto también enriquecido con su mesura y prudencia, puesto que ha resuelto con sabiduría en que momentos quedarse únicamente detrás de la cámara, lo que también le ha dado grandes resultados en cintas como “Macth Point”, “Scoop”, “Vicky Cristina Barcelona” o “Conocerás al hombre de tus sueños”.
Solo un artista con esta basta experiencia y un largo camino recorrido puede hacer una película como Midnight In Paris, último largometraje del director de perpetua imagen de lentes de pasta y que pareciera tener siempre la misma edad.
Woody sabe perfectamente como tener un elenco balanceado para lograr nivelar la interacción entre protagonistas, en su ultimo filme aparecen Kathy Bates, Adrien Brody, Carla Bruni, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Michael Shee y Owen Wilson. Todos ellos dan vida a una comedia romántica que escapa a todo lugar común y cliché, pues la historia de una pareja que decide pasar unos días en París se convierte solo en mero pretexto y en trama de enganche al espectador, lo que se esconde detrás del velo es hablarnos de la historia de un Paris antiguo y contemporáneo, de un legado común y universal en la figura de varios personajes históricos que irán desfilando ante la cámara.
Es de agradecer que en tiempos de hiperactividad, de inmediatez y de olvido, alguien como Woody se tome el tiempo para retomar y humanizar con acertada verosimilitud, a personajes como Hemingway, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Luis Buñuel, figuras que incluso se van contigo al terminar la función pues se vuelven entrañables y cercanos.
Woody Allen esta de regreso o en realidad nunca se fue, puesto que lleva toda una vida haciendo cine, esa experiencia se ha hecho palpable y visible en cada uno de los filmes que a dirigido y (en su mayoría) actuado.
Son varios los factores que distinguen a Woody Allen como realizador: la astucia, la comicidad, la reflexión, la crítica, el don de hacer pensar y reír. Woody sigue conservando una estilo clásico de dirigir, marcado desde películas como Hanna and Her Sister’s, The Sleeper, Manhatan, Anni Hall.
Allen retrata a sus personajes y a sus entornos, explorando siempre nuevas posibilidades, ese estilo clásico se ha visto también enriquecido con su mesura y prudencia, puesto que ha resuelto con sabiduría en que momentos quedarse únicamente detrás de la cámara, lo que también le ha dado grandes resultados en cintas como “Macth Point”, “Scoop”, “Vicky Cristina Barcelona” o “Conocerás al hombre de tus sueños”.
Solo un artista con esta basta experiencia y un largo camino recorrido puede hacer una película como Midnight In Paris, último largometraje del director de perpetua imagen de lentes de pasta y que pareciera tener siempre la misma edad.
Woody sabe perfectamente como tener un elenco balanceado para lograr nivelar la interacción entre protagonistas, en su ultimo filme aparecen Kathy Bates, Adrien Brody, Carla Bruni, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Michael Shee y Owen Wilson. Todos ellos dan vida a una comedia romántica que escapa a todo lugar común y cliché, pues la historia de una pareja que decide pasar unos días en París se convierte solo en mero pretexto y en trama de enganche al espectador, lo que se esconde detrás del velo es hablarnos de la historia de un Paris antiguo y contemporáneo, de un legado común y universal en la figura de varios personajes históricos que irán desfilando ante la cámara.
Es de agradecer que en tiempos de hiperactividad, de inmediatez y de olvido, alguien como Woody se tome el tiempo para retomar y humanizar con acertada verosimilitud, a personajes como Hemingway, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Luis Buñuel, figuras que incluso se van contigo al terminar la función pues se vuelven entrañables y cercanos.
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